FILM del MESE - CINEMA & CIGARETTE CARDS

PAUL MUNI - Paul Muni, nato Frederich Meshilem Meier Weisenfreund il 22 settembre 1895 a Leopoli, allora parte dell’Impero austro-ungarico (oggi Lviv, Ucraina), è stato uno degli attori più versatili e intensi dell’era d’oro di Hollywood. Figlio di una famiglia ebraica ashkenazita, i suoi genitori erano attori di teatro yiddish, e Muni crebbe immerso nell’arte della recitazione. Emigrò negli Stati Uniti con la famiglia nel 1902, all’età di sette anni, stabilendosi a Chicago, dove iniziò a recitare nel teatro yiddish. A soli 12 anni debuttò sul palco interpretando un uomo di 80 anni, dimostrando un talento precoce per la trasformazione fisica e vocale, un’abilità che lo accompagnerà per tutta la carriera.
La sua carriera teatrale lo portò a New York, dove lavorò con il prestigioso Yiddish Art Theatre sotto la guida di Maurice Schwartz. Nel 1926, a 31 anni, fece il suo debutto a Broadway in lingua inglese con la pièce We Americans, interpretando un anziano ebreo. Questo segnò l’inizio della sua transizione verso il teatro e il cinema americani. Nel 1929, Muni approdò a Hollywood con la Fox Film Corporation, ottenendo una nomination all’Oscar per il suo primo film, The Valiant. Tuttavia, insoddisfatto dei ruoli offerti, tornò a Broadway, per poi essere richiamato a Hollywood nel 1932 per due ruoli iconici: quello in I Am a Fugitive from a Chain Gang, che gli valse un’altra nomination all’Oscar, e quello di Tony Camonte in Scarface – Lo sfregiato, che lo consacrò come uno degli attori più potenti della sua epoca.
Muni era noto per la sua dedizione quasi ossessiva ai ruoli: studiava a fondo i personaggi, immergendosi nei loro manierismi, dialetti e contesti storici, e utilizzava il trucco per trasformarsi completamente, guadagnandosi il soprannome di “nuovo Lon Chaney”. Durante gli anni ’30, divenne una delle stelle di punta della Warner Bros., che lo celebrava come “il più grande attore dello schermo”. Vinse l’Oscar come Miglior Attore nel 1936 per The Story of Louis Pasteur e ottenne altre nomination per The Life of Emile Zola (1937) e The Last Angry Man (1959). Parallelamente, brillò anche a teatro, vincendo un Tony Award nel 1955 per il ruolo di Henry Drummond in Inherit the Wind. La sua salute, però, iniziò a declinare negli anni ’50 a causa di problemi alla vista – perse un occhio a causa di un tumore nel 1955 – e si ritirò quasi completamente dopo il 1959. Morì il 25 agosto 1967 a MonteDEFFcito, California, lasciando un’eredità di 23 film e un’impronta indelebile nel cinema e nel teatro.
Per i collezionisti di cigarette cards, Paul Muni è un’icona da custodire gelosamente. La nostra carta dal Salem Gold Film Bilder Album 2, che lo ritrae con una sigaretta in bocca e un’espressione enigmatica, è un esempio perfetto di come le cigarette cards degli anni ’30 celebrassero le star del cinema. Muni, con i suoi ruoli intensi e trasformisti, era il soggetto ideale per queste piccole opere d’arte, che catturavano il fascino di un’epoca in cui il cinema stava definendo i suoi miti.
Nel 1932, Paul Muni diede vita a Tony Camonte, il protagonista di Scarface – Lo sfregiato, diretto da Howard Hawks e prodotto da Howard Hughes. Tony Camonte è un gangster italo-americano nella Chicago degli anni ’20, un uomo spietato e ambizioso che scala i ranghi della criminalità organizzata durante il proibizionismo, lasciando dietro di sé una scia di sangue e tradimenti. Soprannominato “lo Sfregiato” per la cicatrice che gli deturpa il volto, Camonte è un predatore che vive per il potere, eliminando chiunque gli intralci il cammino – dal boss Big Louis Costillo, che uccide nella scena iniziale, ai rivali delle gang irlandesi del North Side.
Muni interpreta Camonte con una ferocia quasi primordiale, alternando momenti di violenza brutale a un’ingenuità quasi infantile, come quando si entusiasma per una mitragliatrice o si gode uno spettacolo teatrale senza capirne il significato. La sua performance è un’esplosione di energia: con un accento italo-americano marcato, gesti esagerati e uno sguardo che trasuda fame di potere, Muni trasforma Camonte in un antieroe larger-than-life. Nonostante non fosse italiano – Muni era di origini ebraiche ucraine – riuscì a catturare l’essenza di un gangster ispirato ad Al Capone, pur aggiungendo un tocco personale che lo rese unico.
Un elemento centrale del personaggio è il suo rapporto ossessivo con la sorella Cesca (interpretata da Ann Dvorak), che sfocia in sfumature incestuose, un dettaglio audace per l’epoca. Camonte è geloso e possessivo, e questa debolezza emotiva diventa la sua rovina: uccide il suo migliore amico e complice, Gino Rinaldo (George Raft), credendo erroneamente che abbia una relazione con Cesca, senza sapere che i due si erano sposati in segreto. Questo omicidio dà alla polizia il pretesto per accerchiarlo, portandolo a una drammatica caduta.
La performance di Muni in Scarface non è solo un’interpretazione, ma una vera e propria incarnazione del gangster come archetipo: un uomo che vive secondo un codice spietato, disposto a tutto pur di “scrivere il suo nome in grande” sulla città, come dichiara nel film. La sua presenza scenica, accentuata da un guardaroba imbottito e tacchi per sembrare più imponente, domina ogni inquadratura, rendendo Tony Camonte un’icona che ha influenzato generazioni di attori – persino Al Pacino, che ha citato Muni come ispirazione per il suo Tony Montana nel remake del 1983.
Nella nostra cigarette card dal Salem Gold Film Bilder Album 2, Paul Muni appare in un ritratto che sembra catturare un momento di calma prima della tempesta: con la sigaretta in bocca e gli occhi socchiusi, è l’immagine di un uomo che nasconde la ferocia di Tony Camonte dietro un’eleganza apparente. È un pezzo che ogni collezionista di cinema dovrebbe avere, un frammento di storia che testimonia il talento di Muni e l’impatto di Scarface sul genere gangster.

JOAN BLONDELL - Joan Blondell, nata il 30 agosto 1906 a New York, è stata una delle stelle più versatili e carismatiche dell’epoca d’oro di Hollywood, capace di passare con disinvoltura da ruoli drammatici a commedie frizzanti. Con il suo fascino sfrontato, occhi vivaci e un’energia che illuminava lo schermo, Blondell è stata un’icona degli anni ’30 e ’40, nota per film come La donna del miracolo (1931) e Chorus Girl (1933). In Topper Returns (1941), terzo e ultimo capitolo della trilogia di commedie soprannaturali ispirate a Thorne Smith, Blondell regala una performance memorabile come Gail Richards, un fantasma determinato e irresistibile, distinguendosi nettamente dai toni dei primi due film della serie.
Figlia di attori di vaudeville, Blondell crebbe sul palcoscenico e approdò a Hollywood dopo successi a Broadway. Con oltre 100 film all’attivo, si guadagnò una reputazione per la sua autenticità e il suo umorismo, spesso interpretando donne indipendenti e argute. Nominata all’Oscar come Miglior Attrice Non Protagonista per The Blue Veil (1951), continuò a lavorare in cinema, teatro e televisione fino agli anni ’70. La sua vitalità e il suo calore umano la resero una delle attrici più amate del suo tempo.
In Topper Returns, diretto da Roy Del Ruth, Joan Blondell interpreta Gail Richards, una giovane donna assassinata per errore in una villa gotica dopo uno scambio di stanze con l’amica Ann Carrington (Carole Landis). Trasformata in un fantasma, Gail è il motore della storia: non cerca solo giustizia, ma trascina il banchiere Cosmo Topper (Roland Young) in un’indagine piena di suspense e risate. Con la sua parlantina veloce e un’energia quasi palpabile, Blondell rende Gail un personaggio unico: un fantasma che è allo stesso tempo malizioso, determinato e adorabile. Le sue interazioni con Topper, la svampita Clara (Billie Burke) e l’autista Eddie (Eddie “Rochester” Anderson) sono il cuore comico del film, mentre le scene in cui appare e scompare, grazie a effetti speciali nominati agli Oscar, aggiungono un tocco di magia visiva. Blondell domina ogni inquadratura, portando una freschezza che eleva il mix di giallo, commedia e horror leggero.

Rispetto a Topper (1937) e Topper Takes a Trip (1938), Topper Returns si distingue per tono, struttura e il ruolo del personaggio di Blondell. Nei primi due film, la coppia di fantasmi George e Marion Kerby (Cary Grant e Constance Bennett) è al centro della storia, con un focus su commedie sofisticate e dinamiche matrimoniali. In Topper, i Kerby, morti in un incidente d’auto, tornano come spiriti per “redimere” Topper, spingendolo a vivere con più audacia. La loro presenza è giocosa e romantica, con un’energia da screwball comedy. In Topper Takes a Trip, Marion (senza George) aiuta Topper a risolvere una crisi coniugale in Francia, mantenendo un’atmosfera leggera e mondana.
In Topper Returns, invece, Gail Richards di Blondell introduce un’energia più terrena e diretta. A differenza dei Kerby, che sono spiriti spensierati con motivazioni altruistiche, Gail è mossa da un obiettivo personale: trovare il suo assassino. Questo sposta il film verso un registro da giallo-commedia, con una villa piena di passaggi segreti e un’atmosfera che ricorda i mystery-horror degli anni ’30. Mentre Marion Kerby è elegante e maliziosa, Gail è più sfacciata e pratica, con un umorismo che riflette lo stile di Blondell, fatto di battute rapide e un’attitudine da “ragazza della porta accanto”. Inoltre, Topper Returns abbandona la continuity romantica dei Kerby, concentrandosi su un’indagine standalone, il che rende il ruolo di Blondell più centrale e narrativamente cruciale rispetto a quello di Bennett nei film precedenti.
Un’altra differenza è il tono: i primi due film sono commedie sofisticate con un tocco di glamour, mentre Topper Returns abbraccia elementi slapstick e suspense, grazie anche alla regia di Del Ruth e alla sceneggiatura di Jonathan Latimer. Blondell, con la sua versatilità, si adatta perfettamente a questo mix, portando una comicità più fisica e meno eterea rispetto a Constance Bennett. La sua Gail non è solo un fantasma, ma una detective improvvisata, dando al film un ritmo più incalzante e un appeal più moderno.

La performance di Blondell in Topper Returns è uno dei motivi del suo successo, con un 89% su Rotten Tomatoes e un posto tra i classici del genere. Il film, nel pubblico dominio dal 1969, è stato restaurato per il UCLA Festival of Preservation nel 2022, e la chimica di Blondell con Young, Burke e Anderson rimane un punto di forza. Puoi guardarlo su Tubi, Pluto TV o Archive.org, o noleggiarlo su Amazon Prime Video. La sua Gail Richards è un’icona della commedia soprannaturale, un personaggio che anticipa figure come Elvira o le protagoniste di Ghostbusters.
Joan Blondell morì il 25 dicembre 1979 a Santa Monica, ma la sua eredità vive in ruoli come quello di Topper Returns, dove ha dimostrato di poter trasformare un fantasma in una forza della natura. Con il suo sorriso malizioso e la sua verve, Blondell rimane una stella che illumina ogni fotogramma.

CONSTANCE BENNETT - Card n.47 della serie FAMOUS FILM STARS stampata dalla ARDATH TOBACCO CO LTD nel 1934 -
Constance Campbell Bennett nasce il 22 ottobre 1904 a New York, in una famiglia già immersa nel mondo dello spettacolo: suo padre, Richard Bennett, era un attore teatrale di successo, e le sue sorelle, Joan e Barbara, seguirono carriere simili. Constance debutta sul grande schermo negli anni ’20, durante l’era del cinema muto, ma è con l’avvento del sonoro che la sua carriera decolla. Grazie alla sua voce raffinata, al suo fascino elegante e a un talento naturale per la commedia, diventa una delle attrici più celebri e pagate degli anni ’30. Tra i suoi ruoli più noti ci sono quelli in What Price Hollywood? (1932), un precursore di A Star Is Born, e Merrily We Live (1938). Oltre a recitare, Bennett era una donna d’affari astuta: fondò una casa di produzione e fu attiva anche nella moda e nella cosmesi, lanciando una linea di bellezza. Durante la Seconda Guerra Mondiale, si dedicò a spettacoli per le truppe, mostrando il suo impegno sociale. Sposata cinque volte, tra cui con l’attore Gilbert Roland e il produttore Henri de la Falaise, morì il 24 luglio 1965, lasciando un’eredità duratura nel cinema.

In Topper Takes a Trip (1938), Constance Bennett riprende il ruolo di Marion Kirby, il vivace fantasma che aveva già interpretato nel primo film della serie, Topper (1937). Marion è una figura eterea e spensierata, una socialite morta in un incidente d’auto che torna sulla Terra con una missione: compiere una buona azione per guadagnarsi il paradiso. In questo sequel, Marion si concentra sul salvare il matrimonio di Cosmo Topper (Roland Young) e sua moglie Clara (Billie Burke), intrecciando caos e risate con il suo approccio imprevedibile. Accompagnata dal suo cane fantasma Mr. Atlas (interpretato dal celebre Skippy), Marion porta scompiglio e magia in un lussuoso hotel della Riviera francese, affrontando situazioni assurde con il suo mix di ironia e fascino. Bennett infonde al personaggio una leggerezza irresistibile e un’energia frizzante, rubando la scena con la sua presenza scenica e il suo talento per la commedia. La sua interpretazione non solo consolida il successo della saga, ma contribuisce a rendere Marion Kirby un’icona delle commedie sovrannaturali dell’epoca. Inoltre, Bennett ebbe un ruolo attivo dietro le quinte, influenzando il tono del film e improvvisando alcune delle battute più memorabili, come confermato da aneddoti del set.
Constance Bennett, con la sua Marion, è il cuore pulsante di Topper Takes a Trip, trasformando una commedia leggera in un’esperienza indimenticabile!

TOPPER TAKES A TRIP - Preparati a un viaggio esilarante e ultraterreno con Topper Takes a Trip, il secondo capitolo della saga cinematografica ispirata ai romanzi di Thorne Smith, diretto con maestria da Norman Z. McLeod nel 1938. Questa commedia fantasy è un cocktail irresistibile di risate, assurdità e un pizzico di magia che ti catturerà dall’inizio alla fine!
Dopo il successo di Topper, la spumeggiante Marion Kirby – un fantasma dal fascino irresistibile interpretato da Constance Bennett – torna sulla Terra, accompagnata dal suo adorabile cane Atlas, con una missione: salvare il matrimonio sull’orlo del naufragio di Cosmo Topper (Roland Young) e della sua adorabile ma esasperata moglie Clara (Billie Burke). Tra interventi spettrali e pasticci esilaranti, Marion non solo cerca di riaccendere la scintilla tra i due, ma punta anche a guadagnarsi un biglietto per il paradiso. Le cose si complicano quando un viscido barone francese entra in scena, trascinando l’intera vicenda in un lussuoso hotel sulla Riviera francese, dove il caos raggiunge livelli esilaranti.
Il film brilla grazie a un cast stellare: Roland Young è semplicemente perfetto nel ruolo di Cosmo, un uomo qualunque travolto da situazioni fuori dal comune, con una comicità fisica che strappa risate a ogni passo. Constance Bennett è un turbine di charme e ironia, una presenza eterea che domina lo schermo, mentre Billie Burke aggiunge un tocco di eccentricità deliziosa nei panni di Clara. Tra gag slapstick e dialoghi brillanti, Topper Takes a Trip mescola humor raffinato e follia sovrannaturale, regalando un’esperienza che non perde mai il ritmo.
Rispetto al primo capitolo, questo sequel alza la posta con nuove avventure e un’ambientazione glamour, senza mai tradire il suo spirito leggero e scanzonato. È una fuga spensierata in un mondo dove i fantasmi giocano a fare i cupidi e ogni scena è un’esplosione di divertimento senza tempo. Se hai un debole per le commedie classiche con un twist magico, questo gioiellino anni ’30 è un must assoluto: ti conquisterà con il suo mix di risate, cuore e un’eleganza d’altri tempi!

LAURENCE OLIVIER - Card n.22 MY FAVOURITE PART GALLAHER Ltd. - Laurence Olivier, un nome che vibra come una corda di violino tesa al massimo, è stato il cuore pulsante del teatro e del cinema del Novecento. Nato il 22 maggio 1907 a Dorking, una cittadina inglese avvolta dal verde, Olivier sembrava portare con sé, fin dall’infanzia, un’aura di grandezza. Figlio di un reverendo severo, trovò presto rifugio nei drammi shakespeariani, recitando sonetti con una passione che lasciava già intravedere il genio. La Royal Academy of Dramatic Art lo accolse come un diamante grezzo, e lui ne uscì affilato, pronto a conquistare i palcoscenici di Londra con una voce che ruggiva come il mare in tempesta e un’eleganza che ammutoliva le platee. Ma non si fermò al teatro: il cinema lo chiamava, e Olivier rispose con una carriera che ha scolpito il suo nome nella storia.
Immagina un uomo capace di tutto: un Heathcliff selvaggio e disperato in Wuthering Heights (1939), che si aggira tra le brughiere con occhi pieni di fuoco; un Maxim de Winter in Rebecca (1940), così tormentedamente affascinante da far tremare i muri della villa di Manderley; e poi l’Amleto del 1948, un principe danese fragile e feroce, che gli valse un Oscar e la corona di re indiscusso della recitazione. Olivier non era solo un attore: era un tornado di emozioni, un alchimista che trasformava ogni battuta in oro puro. Con il suo portamento regale, i lineamenti cesellati e quel modo di scandire le parole – come se ogni sillaba fosse un dono – incantava chiunque lo guardasse.
E poi c’è The Divorce of Lady X (1938), un gioiellino dove Olivier svela un lato diverso, più leggero, ma non meno magnetico. Qui è Everard Logan, un avvocato divorzista dal cipiglio severo, un uomo che in tribunale sbroglia matrimoni con la precisione di un chirurgo e la freddezza di un generale. Ma quando Leslie Steele, interpretata dalla radiosa Merle Oberon, piomba nella sua vita come un fulmine in una notte nebbiosa, tutto cambia. Pensa alla scena: Londra avvolta da una coltre di fumo, Logan costretto a cedere la sua suite d’albergo a questa sconosciuta sfacciata, e una tensione che cresce tra battute taglienti e sguardi rubati. Lui, con quel sopracciglio inarcato e un’aria di sfida, cerca di resistere; lei, con un sorriso che scioglierebbe il ghiaccio, lo trascina in un gioco di seduzione e malintesi.
Olivier dà a Logan una vita che pulsa: è rigido ma vulnerabile, sarcastico ma adorabile. La sua chimica con Merle Oberon è un fuoco d’artificio – ogni dialogo è un botta e risposta che scoppietta di umorismo e desiderio represso. Guarda come il suo Logan, da austero professionista, si ritrova a inseguire Leslie con un misto di irritazione e fascinazione, inciampando quasi nella propria dignità. È un Olivier che gioca, che si diverte, e che ci ricorda quanto fosse versatile: capace di passare dal dramma shakespeariano alla commedia romantica senza perdere un grammo della sua potenza.
The Divorce of Lady X brilla anche grazie a lui. Everard Logan, sotto la guida di Olivier, diventa il perfetto eroe comico: un uomo che scopre l’amore quando meno se lo aspetta, e che ci fa ridere e sospirare allo stesso tempo. Se questo film resta un classico, è perché Laurence Olivier, con il suo talento sconfinato, ha saputo trasformare ogni gesto, ogni sguardo, in un momento indimenticabile. Un gigante, un poeta, un eterno incantatore: questo era Olivier, e questo rimarrà per sempre.

CAROLE LOMBARD - Card n.26 della serie BEAUTIES of TO-DAY settima serie della GODFREY PHILLIPS Ltd.- Carole Lombard, nata Jane Alice Peters il 6 ottobre 1908 a Fort Wayne, Indiana, è stata una delle attrici più amate e influenti di Hollywood durante gli anni '30 e '40. Conosciuta per il suo spirito vivace, la sua bellezza radiosa e il suo talento comico, Lombard ha iniziato la sua carriera come attrice bambina, ma è stata con i suoi ruoli da adulta che ha raggiunto la vera celebrità.

Nel film "Swing High, Swing Low" del 1937, Carole Lombard interpreta Maggie King, il cuore e l'anima della storia. Maggie è una giovane donna ingenua ma piena di speranza, che si innamora di "Skid" Johnson (interpretato da Fred MacMurray). La sua performance cattura l'essenza di un personaggio che è sia vulnerabile che determinato, navigando attraverso l'amore e le sfide con grazia e forza. Lombard trasmette una genuinità e una profondità che rendono Maggie un personaggio memorabile e amabile, dimostrandosi capace di portare sullo schermo non solo la leggerezza della commedia ma anche la complessità del dramma.

La sua interpretazione di Maggie è centrale per il successo del film, offrendo un contrasto perfetto alla tormentata figura di Skid, e contribuendo a creare una delle storie d'amore più toccanti del periodo. Lombard, con la sua presenza magnetica e la sua abilità nel bilanciare emozione e umorismo, ha lasciato un'impronta duratura in questo ruolo, dimostrando perché è stata considerata una delle grandi stelle del cinema classico.

CHARLES (BUDDY) ROGERS - Card n.13 della serie CINEMA STARS - ABDULLA & Co. Ltd. (1934) - Charles "Buddy" Rogers, conosciuto come "America's Boyfriend", è stato un attore e musicista americano nato il 13 agosto 1904 a Olathe, Kansas. Durante il picco della sua popolarità negli anni '20 e '30, Rogers era noto per il suo fascino e il suo talento sia come attore che come musicista. Ha iniziato la sua carriera a Hollywood a metà degli anni '20 e ha rapidamente guadagnato fama grazie al suo carisma e alla sua versatilità.

In "Wings" del 1927, Rogers interpreta Jack Powell, un giovane appassionato di automobili che si arruola nell'Air Force durante la Prima Guerra Mondiale. Il suo personaggio è inizialmente rivale in amore con David Armstrong, ma la loro rivalità si trasforma in un'amicizia fraterna mentre combattono insieme in Francia. La performance di Rogers in "Wings" è stata fondamentale per il successo del film, grazie alla sua capacità di trasmettere emozioni intense e di coinvolgere il pubblico.

Rogers era già una stella emergente quando fu scelto per "Wings", e la sua presenza nel film ha contribuito a renderlo un successo. La sua interpretazione di Jack Powell è stata elogiata per la sua autenticità e il suo spirito. Rogers ha portato una dimensione emotiva al film, rendendo il personaggio di Jack non solo un eroe di guerra, ma anche un giovane uomo alle prese con l'amore e la perdita.

Oltre alla sua carriera cinematografica, Rogers era anche un talentuoso musicista. Ha suonato in diverse band e ha registrato numerosi dischi durante la sua carriera. Durante la Seconda Guerra Mondiale, ha servito nella Marina degli Stati Uniti come istruttore di volo.

Charles "Buddy" Rogers ha lasciato un'impronta duratura nel cinema con il suo ruolo in "Wings". La sua interpretazione di Jack Powell ha dimostrato il suo talento e il suo carisma, contribuendo a fare di "Wings" un capolavoro del cinema di guerra. La sua carriera è stata segnata da numerosi successi, ma il suo ruolo in "Wings" rimane uno dei più significativi e memorabili.

MARY CARR - Card n.10 della serie CINEMA STARS stampata dalla GALLAHER LTD nel 1926 - Mary Carr, nata Mary Kenevan il 14 marzo 1874 a Germantown, Pennsylvania, è stata un'attrice americana nota per i suoi ruoli materni nei film. Ha iniziato la sua carriera come insegnante, ma presto ha abbandonato l'insegnamento per lavorare come attrice in compagnie teatrali itineranti. Si è sposata con l'attore William Carr e ha girato ampiamente con la sua compagnia. Dopo l'inizio del secolo, William Carr si è dedicato alla produzione cinematografica come attore e regista, coinvolgendo Mary e i loro sei figli nel mondo del cinema.

Mary Carr ha debuttato nel cinema nel 1916, ma è stata la sua interpretazione in "Over the Hill to the Poorhouse" (1920) a renderla famosa. Questo film è stato un grande successo grazie alla sua toccante interpretazione di una madre povera. Ha continuato a recitare in ruoli simili in numerosi film durante il periodo del cinema muto. Con l'avvento del cinema sonoro, ha attraversato un periodo difficile, ma grazie alla pubblicità sulla sua situazione, ha ricevuto aiuto e ha trovato occasionalmente lavoro. Ha trascorso gli ultimi anni della sua vita apparendo sporadicamente in film, spesso diretti dal figlio Thomas Carr.

Uno dei film sonori più significativi in cui Mary Carr ha recitato è stato "Lights of New York" (1928), il primo lungometraggio interamente parlato. In questo film, Mary Carr ha interpretato il ruolo di Mrs. Morgan, la madre del protagonista Eddie Morgan, interpretato da Cullen Landis. La trama segue Eddie e il suo amico Gene, interpretato da Eugene Pallette, che si trovano coinvolti in un mondo di crimine e corruzione a New York. Questo film ha segnato una svolta nella carriera di Mary Carr, dimostrando la sua capacità di adattarsi al nuovo formato sonoro del cinema.

Mary Carr è morta il 24 giugno 1973 a Woodland Hills, Los Angeles, all'età di 99 anni.

F. W. MURNAU - Card n.507 - MERCEDES FILMBILDER ALBUM 4 - F.W. Murnau è uno dei registi più influenti del cinema espressionista tedesco e del cinema muto in generale. Nato come Friedrich Wilhelm Plumpe, Murnau ha lasciato un'impronta indelebile nella storia del cinema con il suo stile visivo unico e la sua capacità di creare atmosfere inquietanti e suggestive.

Murnau è forse meglio conosciuto per il suo capolavoro del 1922, "Nosferatu: Una Sinfonia dell'Orrore". Questo film, basato liberamente sul romanzo "Dracula" di Bram Stoker, è considerato uno dei primi e più influenti film horror della storia del cinema. La sua capacità di utilizzare le ombre e le luci per creare un senso di angoscia e mistero è diventata una firma del suo stile.

Oltre a "Nosferatu", Murnau ha diretto altri film importanti come "Der letzte Mann" (L'ultima risata) del 1924, che è noto per l'uso innovativo della cinepresa mobile e per la sua narrazione visiva senza didascalie. Questo film ha dimostrato la sua abilità nel raccontare storie complesse attraverso immagini potenti e ha influenzato molti registi successivi.

Un altro capolavoro di Murnau è "Sunrise: A Song of Two Humans" (Aurora) del 1927, che ha vinto il primo Oscar per la Miglior Produzione Artistica. Questo film è celebrato per la sua fotografia espressionista e per la sua capacità di combinare elementi di realismo e fantasia in una narrazione emotivamente coinvolgente.

Murnau ha avuto un impatto duraturo sul cinema, influenzando innumerevoli registi e contribuendo a definire l'estetica del cinema espressionista e dell'horror. La sua capacità di evocare emozioni profonde attraverso immagini visive potenti lo rende uno dei registi più rispettati e ammirati della storia del cinema.

INA CLAIRE - Card n.5 della serie STARS OF SCREEN & STAGE GALLAHER Ltd. Ina Claire, nata Ina Fagan il 15 ottobre 1893, è stata una luminosa stella del palcoscenico di Broadway e un'affermata attrice cinematografica. La sua vita è stata un affascinante viaggio attraverso l'epoca d'oro del teatro e del cinema americano. Orfana di padre prima della nascita, Ina e sua madre hanno affrontato sfide significative, ma la sua determinazione e il suo talento l'hanno portata a diventare una delle attrici più amate e rispettate del suo tempo. Conosciuta per il suo spirito effervescente e la sua presenza scenica magnetica, Ina Claire ha incantato il pubblico con la sua eleganza e il suo ingegno, diventando un'icona di stile e di grazia sul palcoscenico e sullo schermo. La sua eredità continua a vivere attraverso le sue memorabili performance e il suo impatto duraturo sull'industria dell'intrattenimento. Ina Claire ha brillato nel suo ruolo nel film "The Greeks Had a Word for Them", un'opera del 1932 che ha catturato l'essenza della commedia sofisticata dell'epoca pre-Code. La sua interpretazione, insieme a quella delle co-protagoniste Joan Blondell e Madge Evans, ha portato sullo schermo una vivacità e uno spirito che hanno definito il film come un classico senza tempo. Il film, diretto da Lowell Sherman e prodotto da Samuel Goldwyn, è basato sulla commedia di Zoe Akins e presenta Ina Claire nel ruolo di una donna mondana e astuta, che naviga con intelligenza e fascino le complessità delle relazioni sociali e romantiche. La sua performance è stata acclamata per la sua capacità di bilanciare umorismo e pathos, dimostrando la sua versatilità come attrice.

ADOLPHE MENJOU - Card n.75 della serie CINEMA STARS stampata dalla GALLAHER LTD nel 1926 - Adolphe Menjou, nato il 18 febbraio 1890 a Pittsburgh, Pennsylvania, è stato un attore statunitense che ha lasciato un'impronta indelebile nel mondo del cinema. Dopo aver completato la sua formazione presso la Culver Military Academy e laureatosi in ingegneria alla Cornell University, Menjou fu attratto dal teatro e dal vaudeville, facendo il suo debutto cinematografico nel 1914 con "The Acid Test". Emerse come una stella del cinema muto, brillando in film come "Lo sceicco" e "I tre moschettieri" nel 1921. Con l'avvento del cinema sonoro, la sua carriera non solo continuò, ma prosperò, culminando in una nomination all'Oscar nel 1931 per il suo ruolo in "The Front Page".

In "The Front Page", Menjou diede vita al personaggio di Walter Burns, un editore astuto e senza scrupoli, una performance che rafforzò la sua reputazione di uomo elegante e sofisticato. Oltre alla sua carriera cinematografica, Menjou era noto per le sue convinzioni politiche conservatrici e per il suo coinvolgimento con la Commissione per le attività antiamericane durante il periodo della paura rossa negli Stati Uniti. La sua vita fu segnata da successi professionali e da una presenza attiva nel dibattito politico del suo tempo.

Menjou si distinse anche per il suo stile impeccabile, tanto da essere nominato più volte come l'uomo più elegante d'America. La sua abilità nel vestire e nel portare se stesso con una grazia senza tempo lo ha reso un'icona di stile. La sua carriera attraversò diverse fasi del cinema, dai film muti ai talkies, e lavorò con alcuni dei più grandi nomi dell'epoca, come Charlie Chaplin in "A Woman of Paris", e Marlene Dietrich e Gary Cooper in "Morocco". Menjou fu anche un volto familiare in "A Star Is Born" con Janet Gaynor e Fredric March.

La sua vita privata fu altrettanto colorata quanto la sua carriera, con tre matrimoni, l'ultimo dei quali con l'attrice Verree Teasdale, durato fino alla sua morte nel 1963. Menjou lasciò un'eredità duratura come uno degli attori più raffinati e carismatici del suo tempo, un vero gentiluomo dello schermo che continua a ispirare gli attori di oggi.

VIVIEN LEIGH - Card n.36 della serie SCREEN STARS stampata dalla ABDULLA & Co. Ltd. nel 1939Vivien Leigh, nata Vivian Mary Hartley il 5 novembre 1913 a Darjeeling, in India, è stata una delle attrici più affascinanti e talentuose del suo tempo. Con una carriera che ha attraversato tre decenni, Vivien Leigh ha lasciato un'impronta indelebile nel mondo del teatro e del cinema, diventando un'icona per le sue interpretazioni memorabili e la sua bellezza senza tempo.

La sua educazione artistica iniziò in giovane età, quando fu mandata a studiare in Europa, per poi fare ritorno a Londra nel 1931. Fu proprio in questo periodo che Vivien scoprì la sua passione per la recitazione, ispirata dall'amica e futura attrice Maureen O'Sullivan. Dopo aver completato la sua formazione alla Royal Academy of Dramatic Art, Vivien iniziò a farsi notare per le sue doti recitative, ottenendo piccoli ruoli in film nel 1935 e progredendo fino al ruolo di eroina in "Fire Over England" nel 1937.

Il suo talento non passò inosservato, e ben presto arrivò il ruolo che l'avrebbe resa immortale: Scarlett O'Hara in "Gone with the Wind" (1939). La sua interpretazione le valse il primo dei suoi due premi Oscar come Miglior Attrice. Il secondo Oscar arrivò nel 1952 per la sua performance come Blanche DuBois in "A Streetcar Named Desire", un ruolo che aveva già interpretato con successo sul palcoscenico del West End londinese nel 1949.

Nonostante la sua fama come attrice cinematografica, Vivien Leigh era principalmente una performer teatrale. Ha interpretato una vasta gamma di personaggi, dalle eroine delle commedie di Noël Coward e George Bernard Shaw alle classiche figure shakespeariane come Ofelia, Cleopatra, Giulietta e Lady Macbeth. La sua carriera teatrale fu coronata da un Tony Award per il suo lavoro nella versione musicale di Broadway di "Tovarich" nel 1963.

La vita personale di Vivien Leigh fu altrettanto affascinante quanto la sua carriera. Fu sposata due volte, prima con Herbert Leigh Holman e poi con l'attore Laurence Olivier, con cui formò una delle coppie più celebri del teatro e del cinema. Insieme, hanno recitato in numerose produzioni teatrali, spesso con Olivier alla regia, e in tre film.

Nonostante il successo, la vita di Vivien Leigh fu segnata da sfide personali, tra cui la lotta contro il disturbo bipolare e la tubercolosi cronica, che fu diagnosticata a metà degli anni '40 e che alla fine portò alla sua prematura scomparsa all'età di 53 anni nel 1967.

Vivien Leigh rimane una figura leggendaria, una donna che ha incarnato la grazia, la determinazione e il talento. La sua eredità continua a vivere attraverso le sue memorabili interpretazioni e la sua capacità di ispirare le generazioni future di attori e appassionati di cinema e teatro. Vivien Leigh non è stata solo un'attrice; è stata una forza della natura che ha brillato intensamente sia sul palcoscenico che sullo schermo, lasciando un segno indelebile nella storia dell'arte performativa.

GARY COOPER - Card n.47 della serie STARS of the SCREEN stampata dalla GODFREY PHILLIPS LTD nel 1934 - Gary Cooper, pseudonimo di Frank James Cooper, è stato un'icona del cinema americano, noto per il suo stile recitativo sobrio e la sua forte presenza scenica. Nato il 7 maggio 1901 a Helena, Montana, Cooper ha vissuto una carriera cinematografica di successo che lo ha visto protagonista in oltre 100 film. Il suo ruolo in "Meet John Doe" del 1941, diretto dal celebre Frank Capra, è uno dei più significativi. In questo film, Cooper interpreta 'Long John' Willoughby, un ex giocatore di baseball caduto in tempi difficili che si ritrova a impersonare John Doe, un uomo inventato da una giornalista, interpretata da Barbara Stanwyck, per stimolare l'interesse del pubblico e sollevare questioni sociali. La performance di Cooper in "Meet John Doe" è stata acclamata per la sua capacità di catturare la complessità del personaggio, un eroe americano riluttante che incarna le speranze e le paure del cittadino medio durante un periodo di grande incertezza. La sua interpretazione ha contribuito a rendere il film un classico duraturo, che continua a essere apprezzato per la sua rilevanza tematica e la sua profondità emotiva.

WILLIAM POWELL - William Powell è stato un attore statunitense, noto soprattutto per la sua carriera cinematografica. Sotto contratto con la Metro-Goldwyn-Mayer, ha recitato in 14 film accanto a Myrna Loy, tra cui la serie di L’uomo ombra, basata sui personaggi di Nick e Nora Charles creati da Dashiell Hammett. Powell è stato candidato tre volte all’Oscar come miglior attore: per L’uomo ombra (1934), L’impareggiabile Godfrey (1936) e Life with Father (1947).

Life with Father è un film commedia in Technicolor, diretto da Michael Curtiz e tratto dall’autobiografia e dal successo teatrale omonimi di Clarence Day. Powell interpreta Clarence Day Sr., il burbero e autoritario capofamiglia di una numerosa e vivace famiglia di New York alla fine dell’Ottocento. Il film è ricco di situazioni divertenti e toccanti, e mostra il talento comico e drammatico di Powell. Il film è stato un grande successo di pubblico e di critica, e ha ricevuto quattro nomination agli Oscar, tra cui quella per Powell.

Powell è nato a Pittsburgh nel 1892, da una famiglia agiata. Ha studiato legge all’Università del Kansas, ma dopo una settimana si è trasferito a New York, dove ha frequentato l’Accademia americana di arti drammatiche. Ha iniziato la sua carriera a Hollywood nel 1922, interpretando il Professor Moriarty in una produzione di Sherlock Holmes con John Barrymore. Ha recitato in film sentimentali e d’avventura, e ha avuto una voce potente e piacevole che gli ha permesso di adattarsi al cinema sonoro.

Powell ha avuto tre matrimoni: con l’attrice Eileen Wilson, da cui ha avuto il suo unico figlio, con l’attrice Carole Lombard, e con l’attrice Diana Lewis, con cui è rimasto fino alla morte. Ha avuto anche una relazione con l’attrice Jean Harlow, morta improvvisamente nel 1937. Powell è morto a Palm Springs nel 1984, all’età di 91 anni. (CARD posizione 6 pag. 19 dell'ALBUM 1 "SALEM GOLD-FILM-BILDER")

STAN LAUREL & OLIVER HARDY - Laurel e Hardy erano una coppia di comici britannico-americana, considerata una delle più grandi della storia del cinema. Stan Laurel (1890-1965) era inglese e Oliver Hardy (1892-1957) era americano. Iniziarono la loro carriera come duo nell’epoca del cinema muto, e poi passarono con successo ai film sonori. Dal tardo anni '20 alla metà degli anni '50, furono famosi in tutto il mondo per la loro comicità basata sullo slapstick, con Laurel che interpretava l’amico goffo e innocente di Hardy, il bullo pomposo.

Prima di diventare una squadra, entrambi avevano una carriera cinematografica ben avviata. Laurel aveva recitato in oltre 50 film, e lavorato come scrittore e regista, mentre Hardy era in più di 250 produzioni. Entrambi erano apparsi in The Lucky Dog (1921), ma non erano ancora una coppia. Apparvero insieme per la prima volta in un cortometraggio nel 1926, quando firmarono contratti separati con lo studio cinematografico di Hal Roach. Divennero ufficialmente una squadra nel 1927, quando apparvero nel corto muto Putting Pants on Philip. Rimasero con Roach fino al 1940, e poi apparvero in otto commedie B per la 20th Century Fox e la Metro-Goldwyn-Mayer dal 1941 al 1945.

Dopo aver terminato i loro impegni cinematografici alla fine del 1944, si concentrarono sulle esibizioni teatrali, e intrapresero una tournée di music hall in Inghilterra, Irlanda, Galles e Scozia4 Realizzarono il loro ultimo film nel 1950, una coproduzione franco-italiana chiamata Atollo K. Apparvero come squadra in 107 film, tra cui 32 corti muti, 40 corti sonori e 23 lungometraggi. Fecero anche 12 apparizioni come ospiti o cameo, tra cui nel film promozionale Galaxy of Stars del 19365 Il 1° dicembre 1954, fecero la loro unica apparizione televisiva americana, quando furono sorpresi e intervistati da Ralph Edwards nel suo programma live NBC-TV This Is Your Life. Dagli anni '30, le loro opere sono state distribuite in numerose riedizioni teatrali, revival televisivi, film per la casa in 8-mm e 16-mm, compilation di lungometraggi e video domestici. Nel 2005, furono votati come il settimo miglior duo comico di tutti i tempi da un sondaggio britannico di comici professionisti. La società ufficiale di apprezzamento di Laurel e Hardy è The Sons of the Desert, dal nome di una società fraterna fittizia nel film omonimo.
(Ultima card pagina n.8 dell'ALBUM "BUNTE FILM BILDER" del 1936 stampato da CIGARETTEN-BILDERDIENST, DRESDA.)

BUSTER KEATON - Buster Keaton è stato uno dei maestri del cinema muto classico. Il suo vero nome era Joseph Frank Keaton e nacque nel 1895 in una famiglia di attori di vaudeville. Fin da bambino si esibì sul palcoscenico con i genitori, mostrando il suo talento acrobatico e comico. Nel 1917, iniziò la sua carriera cinematografica, lavorando con il comico Roscoe Arbuckle in una serie di cortometraggi. Nel 1920, fondò la sua propria compagnia di produzione e realizzò alcuni dei suoi capolavori, come Sherlock Jr., The Navigator, The General e Steamboat Bill, Jr. Si distinse per il suo stile unico e inimitabile, caratterizzato da una espressione impassibile e malinconica, che gli valse il soprannome di “The Great Stone Face”. Fu anche un innovatore del linguaggio cinematografico, utilizzando tecniche come il montaggio, la parodia, il ralenti e il doppio espositivo. Nel 1928, passò alla MGM, una grande casa di produzione che limitò la sua libertà creativa e lo costrinse a recitare in film sonori, che non erano adatti al suo genere di comicità. Entrò in una fase di declino, aggravata dai problemi personali, come il divorzio dalla prima moglie Natalie Talmadge e l’alcolismo. Negli anni Trenta e Quaranta, continuò a lavorare come attore, regista e sceneggiatore, ma senza riscuotere il successo di un tempo. Solo negli anni Cinquanta, grazie alla televisione e alla riscoperta dei suoi film muti, tornò alla ribalta e ricevette numerosi riconoscimenti, tra cui un Oscar onorario nel 1960. Morì nel 1966, all’età di 70 anni, lasciando un’eredità artistica enorme e influente. Molti registi e attori lo hanno citato come fonte di ispirazione, tra cui Charlie Chaplin, Woody Allen, Jackie Chan e Johnny Depp.

(Figurina Album BULGARIA-GOLD-FILM-BILDER 1933)

ERROL FLYNN - Errol Flynn è stato un attore statunitense di origine australiana, famoso per i suoi ruoli di eroe, seduttore e scapestrato nella Hollywood degli anni trenta e quaranta. Nato nel 1909 in Tasmania, da una famiglia di origine irlandese e scozzese, mostrò fin da giovane una passione per il teatro e la recitazione. Debuttò sul palcoscenico nel 1933, e nello stesso anno iniziò la sua carriera cinematografica, che lo portò a lavorare con i maggiori registi tedeschi, come Robert Wiene, Fritz Lang e F.W. Murnau. Il suo ruolo più celebre fu quello di Robin Hood in La leggenda di Robin Hood, considerato uno dei migliori film di tutti i tempi. Morì nel 1959, a causa di un infarto, mentre giocava a golf.

Errol Flynn fu noto per la sua vita spericolata e per la sua fama di grande seduttore. Si sposò tre volte, con Lili Damita, Nora Eddington e Patrice Wymore, e ebbe quattro figli, tra cui Sean Flynn, che seguì le sue orme come attore e avventuriero. Ebbe numerose relazioni amorose, tra cui quelle con Olivia de Havilland, Marlene Dietrich, Bette Davis e Marilyn Monroe. Nel 1942 fu accusato da due minorenni di violenza carnale, ma venne assolto dopo due processi ricchi di dettagli scabrosi e accanitamente seguiti dalla stampa scandalistica.

Errol Flynn recitò in oltre 50 film, tra cui molti capolavori del cinema d’avventura, come Capitan Blood, La carica dei seicento, Il principe e il povero, Gli avventurieri, La storia del generale Custer, Il sentiero della gloria, La bandiera sventola ancora, La saga dei Forsyte, Kim, Il sole sorgerà ancora. Lavorò anche in Francia, in Gran Bretagna e negli Stati Uniti, dove interpretò ruoli di cattivo, come il maggiore Strasser in Casablanca, uno dei film più famosi della storia del cinema. La sua ultima pellicola fu Al di sopra di ogni sospetto, in cui impersonò John Barrymore, attore del cinema muto al quale Flynn somigliò per la vita spericolata e per la fama di grande seduttore.

Errol Flynn fu oggetto di molte controversie, sia per la sua vita privata, sia per le sue presunte simpatie naziste. Alcuni arrivarono a sospettare che le accuse di violenza carnale fossero state montate ad arte per danneggiare il suo produttore Jack Warner, che avrebbe rifiutato di pagare un’adeguata tangente ai nuovi inquilini del municipio di Los Angeles. Altri sostennero che Flynn fosse un agente segreto al servizio degli alleati, e che avesse usato la sua fama e le sue amicizie per raccogliere informazioni sul regime nazista. La verità è probabilmente più complessa e sfumata, e dipende dalla fonte che si consulta.

SANTA FE TRAIL - Santa Fe Trail è un film western del 1940 diretto da Michael Curtiz e interpretato da Errol Flynn, Olivia de Havilland e Ronald Reagan. Il film narra le vicende di due giovani ufficiali di cavalleria, Jeb Stuart (Flynn) e George Armstrong Custer (Reagan), che si innamorano della stessa donna, Kit Carson Holliday (de Havilland), e che si trovano coinvolti nella lotta contro l’abolizionista John Brown (Raymond Massey), che con la sua banda di fanatici semina il terrore nel Kansas e in Virginia. Il film è basato su una sceneggiatura di Robert Buckner e fu presentato in anteprima a Santa Fe, in Nuovo Messico.

Santa Fe Trail è il terzo film western di Errol Flynn, dopo La carica dei seicento (1936) e Virginia City (1940), e segna la settima collaborazione tra la coppia Flynn-de Havilland, una delle più popolari e affiatate del cinema hollywoodiano. Il film è anche uno dei primi ruoli importanti di Ronald Reagan, che in seguito diventerà presidente degli Stati Uniti. Il film è ricco di azione, avventura, romanticismo e humour, e presenta alcune scene memorabili, come la fuga di Stuart e Custer da un’imboscata di Brown, la corsa dei cavalli sulle rotaie del treno, e il finale con l’assalto al forte di Harper’s Ferry.

Santa Fe Trail, tuttavia, non è un film storico accurato, ma piuttosto una libera interpretazione dei fatti, con molte inesattezze e anacronismi. Il film non ha nulla a che vedere con la celebre via commerciale Santa Fe Trail, che collegava il Missouri al Nuovo Messico, ma si svolge principalmente nel Kansas e in Virginia. Il film presenta una visione critica e negativa di John Brown, dipinto come un fanatico sanguinario e un traditore della patria, mentre esalta i valori dell’esercito e della cavalleria. Il film ignora anche le questioni legate alla schiavitù e alla guerra civile, e si concentra sulle avventure e le rivalità dei protagonisti.

Santa Fe Trail fu uno dei film di maggior successo del 1940, e fu apprezzato dal pubblico e dalla critica. Il film fu nominato per un Oscar alla migliore colonna sonora, composta da Max Steiner. Il film fu anche presentato nelle sale con il suono Vitasound, un sistema sperimentale di sonorizzazione sviluppato dalla Warner Brothers nel 1939, che forniva una fonte sonora più ampia e una maggiore gamma dinamica per la musica e gli effetti rispetto alle colonne sonore standard dell’epoca. Vitasound usava altoparlanti aggiuntivi a sinistra e a destra, che potevano essere attivati in parallelo con l’altoparlante centrale, e un amplificatore a guadagno variabile, che poteva aumentare il volume di riproduzione fino a 10 dB. Sia lo switching degli altoparlanti che il guadagno dell’amplificatore erano controllati da una traccia di controllo registrata sulla pellicola Vitasound. Il film Santa Fe Trail fu uno dei soli due film presentati con questo sistema, insieme a The Fighting 69th, entrambi del 1940.

Santa Fe Trail è considerato oggi un classico del genere western, e un esempio del cinema d’intrattenimento di Hollywood.

FAY WRAY - Fay Wray è stata un’attrice canadese naturalizzata statunitense, famosa per il suo ruolo di Ann Darrow nel film King Kong del 1933. È considerata una delle prime “scream queens” del cinema horror, per le sue espressioni di terrore e i suoi acuti strilli.

Fay Wray è nata in un ranch vicino a Cardston, in Alberta, da una famiglia di mormoni. Si è trasferita negli Stati Uniti da bambina e ha iniziato la sua carriera cinematografica a 16 anni, partecipando a diversi film muti. Nel 1926 è stata scelta come una delle “WAMPAS Baby Stars”, un gruppo di giovani attrici promettenti. Ha firmato un contratto con la Paramount Pictures e ha recitato in numerosi film di vari generi.

Nel 1932 ha lasciato la Paramount e ha firmato con la RKO Radio Pictures, per la quale ha interpretato il suo ruolo più celebre, quello di Ann Darrow, la bionda attrice che viene rapita dal gigantesco gorilla King Kong. Il film è stato un grande successo e ha consacrato Fay Wray come una delle stelle del cinema dell’epoca. Ha continuato a lavorare in film di avventura, dramma, commedia e horror, tra cui The Most Dangerous Game (1932), Viva Villa! (1934) e The Maltese Falcon (1941).

Nel 1942 si è sposata con lo sceneggiatore Robert Riskin e ha ridotto le sue apparizioni sul grande schermo per dedicarsi alla famiglia. Ha avuto tre figli, tra cui Victoria Riskin, che è diventata una sceneggiatrice e produttrice televisiva. Dopo la morte del marito nel 1955, Fay Wray ha ripreso a recitare in televisione e in alcuni film fino agli anni ottanta. Nel 1997 ha rifiutato il ruolo di Rose da anziana nel film Titanic di James Cameron. Nel 2004 è morta per cause naturali a New York, all’età di 96 anni. È stata sepolta al cimitero di Hollywood.

Fay Wray è stata una delle prime attrici a incarnare il fascino e il terrore del cinema fantastico. La sua immagine legata a King Kong è entrata nell’immaginario collettivo e ha ispirato molte altre interpreti del genere horror. È stata omaggiata da registi come Peter Jackson, che voleva darle una piccola parte nel suo remake di King Kong del 2005, e da cantanti come Bob Dylan, che le ha dedicato una canzone nel suo album Modern Times del 2006. .

LESLIE HOWARD - Leslie Howard è stato uno dei più grandi idoli del cinema degli anni '30, noto per i suoi ruoli di gentleman inglese in film come Via col vento, Pigmalione e La foresta pietrificata. Howard è nato a Londra nel 1893 con il nome di Leslie Howard Steiner, da una famiglia di origine ebraica ungherese. Si interessò al teatro fin da giovane, incoraggiato dalla madre, e partecipò a diverse produzioni teatrali sia in Inghilterra che negli Stati Uniti. Nel 1916 sposò Ruth Evelyn Martin, dalla quale ebbe due figli, Ronald e Leslie Ruth.

Howard iniziò la sua carriera cinematografica nel 1914, partecipando a un film diretto dallo zio Wilfred Noy. Nel 1919 fondò con l’amico Adrian Brunel una casa di produzione cinematografica a Londra, la Minerva Films, che però ebbe breve vita. Howard si dedicò soprattutto al teatro, ottenendo successo sia a Londra che a Broadway. Nel 1930 tornò al cinema con il film Outward Bound, che gli valse una candidatura all’Oscar come miglior attore. Da allora, Howard alternò il teatro al cinema, recitando in film di grande successo come Berkeley Square (1933), Of Human Bondage (1934), Il prigioniero di Zenda (1937), Intermezzo (1939) e La taverna della Giamaica (1939).

Howard è ricordato soprattutto per il suo ruolo di Ashley Wilkes in Via col vento (1939), il film più famoso della storia del cinema. Howard accettò il ruolo solo per poter produrre e dirigere il film Pimpernel Smith (1941), una parodia del romanzo La primula rossa ambientata nella seconda guerra mondiale. Howard fu infatti un fervente patriota e sostenitore della causa antinazista, e usò il suo talento e la sua fama per contribuire alla propaganda britannica. Tra i suoi ultimi film ci sono Il primo dei pochi (1942), in cui interpretò il progettista del caccia Spitfire, e Il conte di Montecristo (1942), in cui fu il narratore.

Howard morì tragicamente il 1° giugno 1943, quando l’aereo civile su cui viaggiava da Lisbona a Londra fu abbattuto dai caccia tedeschi nel Golfo di Biscaglia. Le circostanze della sua morte sono ancora avvolte nel mistero, e ci sono diverse teorie sul motivo dell’attacco. Alcuni sostengono che i tedeschi scambiarono l’aereo per quello di Winston Churchill, altri che Howard fosse una spia o un agente segreto britannico.

Leslie Howard è stato uno dei più grandi attori del suo tempo, capace di interpretare personaggi diversi con eleganza e intelligenza. Il suo stile raffinato e la sua voce distintiva lo hanno reso un’icona del cinema classico. Howard ha anche dimostrato di essere un regista e un produttore innovativo e coraggioso, che ha usato il suo cinema per esprimere le sue idee e i suoi valori.

ADOLPHE MENJOU - Adolphe Menjou è un attore statunitense di origine francese, noto per il suo stile elegante e la sua baffatura. Menjou nacque a Pittsburgh nel 1890 e iniziò la sua carriera come attore cinematografico nel 1914. Divenne una star del cinema muto con film come Lo sceicco (1921) e La donna di Parigi (1923), in cui interpretava personaggi sofisticati e mondani. Con l’avvento del sonoro, continuò a lavorare con successo in vari generi, dal dramma alla commedia, dalla guerra al musical. Fu candidato all’Oscar come miglior attore protagonista per The Front Page (1931), una satira sul mondo del giornalismo. Tra i suoi film più famosi ci sono Marocco (1930), con Marlene Dietrich, Addio alle armi (1932), con Gary Cooper e Helen Hayes, Proibito (1932) e Passione (1935), con Barbara Stanwyck, Arriva John Doe (1941) e L’idolo delle folle (1942), con Gary Cooper e James Stewart, Per chi suona la campana (1943), con Gary Cooper e Ingrid Bergman, Mezzogiorno di fuoco (1952), con Gary Cooper e Grace Kelly, e Sentieri di gloria (1957), con Kirk Douglas. Menjou morì nel 1963 per un cancro alla prostata.

Menjou si distinse per il suo stile di recitazione naturale e sobrio, che esprimeva al meglio i suoi personaggi di eroi solitari, onesti e coraggiosi, ma anche vulnerabili e romantici. Menjou incarnò l’ideale dell’uomo americano, capace di affrontare le sfide della vita con determinazione e senso del dovere. Allo stesso tempo, seppe anche dare vita a personaggi cinici, ironici e maliziosi, sfruttando il suo fascino e la sua intelligenza. Menjou fu influenzato da Charlie Chaplin, che lo scritturò per il film La donna di Parigi e gli insegnò la differenza tra la recitazione teatrale e quella cinematografica. Menjou fu anche un maestro della commedia sofisticata, grazie alla sua collaborazione con registi come Ernst Lubitsch e Frank Capra. Menjou fu apprezzato sia dal pubblico che dalla critica, ed è considerato uno dei più grandi attori della storia del cinema.

WALTER HUSTON - Walter Huston era un attore e cantante canadese, nato nel 1883 e morto nel 1950. Ha vinto l’Oscar al miglior attore non protagonista per il suo ruolo nel film Il tesoro della Sierra Madre, diretto da suo figlio John Huston. Era il capostipite di quattro generazioni della famiglia Huston, che ha dato vita a tre vincitori di Oscar: lui, suo figlio John e sua nipote Anjelica.

Walter Huston ha iniziato la sua carriera teatrale nel 1902, e ha debuttato a Broadway nel 1924. Con l’avvento del cinema sonoro, è diventato uno dei migliori caratteristi di Hollywood, interpretando sia ruoli da protagonista che da comprimario. Alcuni dei suoi film più famosi sono L’uomo della Virginia (1929), Abraham Lincoln (1930), Pioggia (1932), La follia della metropoli (1932), Infedeltà (1936), Cuori umani (1938), La luce che si spense (1939), I misteri di Shanghai (1941), L’oro del demonio (1942) e La stirpe del drago (1944).

Walter Huston era un attore versatile e carismatico, che sapeva passare dal comico al drammatico, dal romantico al malvagio, dal realistico al fantastico. Era anche un bravo cantante, che ha mostrato le sue doti vocali in alcuni film musicali, come The Great Ziegfeld (1936) e Swing Time (1936). Era molto amato dal pubblico e dalla critica, e ha ricevuto quattro candidature all’Oscar nella sua carriera.

Walter Huston era anche un uomo di famiglia, che ha trasmesso la sua passione per il cinema ai suoi discendenti. Suo figlio John Huston è stato uno dei più grandi registi americani, che ha diretto Walter in due film: Il tesoro della Sierra Madre (1948) e Il grande peccatore (1949). Sua nipote Anjelica Huston è stata una delle più belle e talentuose attrici degli anni '80 e '90, che ha vinto l’Oscar per Il calore della notte (1985). Suo nipote Danny Huston è un attore e regista che ha lavorato in film come The Aviator (2004) e Wonder Woman (2017). Suo pronipote Jack Huston è un attore che ha recitato in serie tv come Boardwalk Empire (2010-2014) e film come Ben-Hur (2016).

Walter Huston è stato uno dei grandi attori del cinema americano, che ha lasciato un’eredità artistica e familiare di grande valore.

MAY McAVOY - May McAvoy è stata un’attrice statunitense che ha lavorato principalmente durante l’epoca del cinema muto. Nata a New York il 8 settembre 1899, debuttò nel 1917 nel film Hate e recitò in oltre quaranta film, tra cui Ben-Hur, Lady Windermere’s Fan e Il cantante di jazz, il primo film con il sonoro sincronizzato, in cui interpretò Mary Dale, la fidanzata di Al Jolson. Si ritirò dalle scene nel 1929, dopo aver sposato il banchiere Maurice Cleary, con cui ebbe un figlio. Tornò a recitare solo occasionalmente in piccoli ruoli non accreditati negli anni quaranta e cinquanta. Il suo ultimo film fu il remake del 1959 di Ben-Hur, in cui apparve tra la folla di Gerusalemme. Morì a Los Angeles il 26 aprile 1984, all’età di 84 anni

SHIRLEY TEMPLE - Shirley Temple è stata un’attrice, cantante, ballerina e diplomatica statunitense. È stata una famosa enfant prodige del cinema negli anni trenta, soprannominata “riccioli d’oro”, e ha interpretato personaggi di bambine dolci e leziose, ma anche sagge e intelligenti. Da adulta si è dedicata alla carriera di ambasciatrice, usando il nome da sposata Shirley Temple Black. È morta nel 2014 all’età di 85 anni

CHARLES BOYER - Boyer ha iniziato la sua carriera teatrale e cinematografica in Francia negli anni venti, dopo aver studiato filosofia alla Sorbona e recitazione al Conservatorio di Parigi. Ha debuttato a Hollywood all’inizio dell’era del sonoro e ha lavorato con alcune delle più grandi star dell’epoca, come Marlene Dietrich, Greta Garbo, Ingrid Bergman e Lauren Bacall. Ha ottenuto la cittadinanza statunitense nel 1942 e ha partecipato come voce narrante a un film sulla resistenza francese durante la seconda guerra mondiale. Ha recitato anche a Broadway e in televisione, apparendo come se stesso nella sitcom I Love Lucy. Ha avuto una vita privata tranquilla e riservata, lontana dagli scandali di Hollywood. Si è sposato una sola volta, con l’attrice Pat Paterson, e ha sofferto molto per la morte del figlio Michael, che si è suicidato nel 1965. Due giorni dopo la morte della moglie per cancro nel 1978, anche Boyer si è tolto la vita con un’overdose di barbiturici. È sepolto al Holy Cross Cemetery di Culver City, in California

ALGIERS (1938) - Algiers è un film drammatico americano diretto da John Cromwell e interpretato da Charles Boyer, Sigrid Gurie e Hedy Lamarr. Il film racconta la storia di un famoso ladro di gioielli francese che si nasconde nel labirintico quartiere nativo di Algeri conosciuto come Casbah. Sentendosi imprigionato dal suo esilio autoimposto, è attratto fuori dal nascondiglio da una bellissima turista francese che gli ricorda i tempi felici a Parigi. Algiers fu una sensazione perché fu il primo film di Hollywood con Hedy Lamarr, la cui bellezza divenne la principale attrazione per il pubblico cinematografico. Il film è noto anche come una delle fonti di ispirazione per gli sceneggiatori del film del 1942 Casablanca, che lo scrissero pensando a Hedy Lamarr come protagonista femminile originale. La rappresentazione di Pepe le Moko da parte di Charles Boyer ispirò il personaggio animato della Warner Bros. Pepé Le Pew. Il film è entrato nel pubblico dominio negli Stati Uniti nel 1966 perché i richiedenti non ne hanno rinnovato la registrazione del copyright nel 28° anno dopo la pubblicazione.

HEDY LAMARR - Lamarr era un’attrice e inventrice austriaca naturalizzata statunitense, che ha recitato in molti film di successo negli anni trenta e quaranta, come La febbre del petrolio, Questa donna è mia e Sansone e Dalila. Era considerata una delle donne più belle del mondo e del cinema. Prima di andare a Hollywood, aveva fatto scandalo con il film Estasi, in cui appariva totalmente nuda . Oltre alla sua carriera cinematografica, Lamarr era anche una brillante inventrice, che sviluppò con il compositore George Antheil un sistema di trasmissione a spettro espanso per guidare i siluri durante la seconda guerra mondiale. Questa tecnologia è alla base del wifi, del bluetooth e del gps. Lamarr ricevette un riconoscimento postumo per il suo contributo alla scienza nel 2014, quando fu inserita nel National Inventors Hall of Fame statunitense.

THE LITTLE PRINCESS (1939) - Il film è una commedia drammatica musicale diretta da Walter Lang e William A. Seiter e ispirata al romanzo per bambini di Frances Hodgson Burnett. Il film è il primo di Shirley Temple a essere girato completamente in Technicolor e il suo ultimo grande successo come attrice bambina. Il film è ambientato nella Londra vittoriana durante la seconda guerra boera e racconta la storia di Sara Crewe (Shirley Temple), una ragazzina ricca e gentile che viene lasciata in un collegio femminile dal padre, il capitano Reginald Crewe (Ian Hunter), che parte per combattere in Africa. Sara diventa presto amica di Becky (Sybil Jason), la servetta del collegio, e si scontra con la severa direttrice Miss Minchin (Mary Nash) e la sua snob pupilla Lavinia (Marcia Mae Jones). Quando il padre di Sara muore in battaglia e i suoi averi vengono requisiti dal nemico, Sara perde tutti i suoi privilegi e viene costretta a lavorare come serva. Tuttavia, Sara non perde mai la speranza e la fantasia e continua a credere che il padre sia vivo. Nel frattempo, il vicino di casa del collegio, Ram Dass (Cesar Romero), un indiano al servizio del ricco Geoffrey Hamilton (Richard Greene), si accorge della situazione di Sara e inizia a farle dei regali segreti per alleviare le sue sofferenze. Hamilton è un amico del padre di Sara e sta cercando di scoprire il suo destino. Un giorno, Hamilton trova il capitano Crewe, ferito e amnesico, in un ospedale militare e lo porta a casa sua. Sara lo riconosce dalla finestra del collegio e corre da lui, riportandogli la memoria. Sara viene così riunita con il padre e adottata da Hamilton, che si innamora della sua insegnante Rose (Anita Louise). La storia si conclude con Sara che saluta le sue amiche del collegio e parte con il padre e i suoi nuovi tutori.

Il film è una trasposizione molto libera del romanzo, che introduce diversi personaggi e situazioni nuove e cambia radicalmente il finale. Il film ha anche un tono più leggero e ottimista del libro, con diversi momenti musicali e comici. La pellicola è apprezzabile per le interpretazioni di Shirley Temple, che dimostra il suo talento sia come attrice che come ballerina, e degli altri attori, in particolare Cesar Romero, Arthur Treacher (che interpreta il fratello bonario di Miss Minchin) e Mary Nash (che rende bene la cattiveria della direttrice). Il film è anche notevole per la fotografia in Technicolor, che rende bene l’atmosfera della Londra vittoriana e i costumi d’epoca. Il film è considerato uno dei migliori di Shirley Temple e uno dei classici del cinema per bambini.

THE JAZZ SINGER 1927 - Il cantante di jazz è un film storico e rivoluzionario, il primo a usare il sonoro sincronizzato per le canzoni e i dialoghi. Racconta la storia di un giovane ebreo che sfida le tradizioni della sua famiglia e della sua religione per seguire la sua passione per il jazz, diventando una star del palcoscenico. Il film è un inno alla libertà di espressione e alla musica come linguaggio universale, ma anche un dramma familiare e una riflessione sulle radici culturali. Il protagonista è Al Jolson, un famoso cantante dell’epoca, che interpreta brani memorabili come My Mammy, Toot Toot Tootsie e Blue Skies. Il film è considerato uno dei migliori film americani di tutti i tempi e un capolavoro del cinema musicale.

Il film utilizzò il sistema Vitaphone, una tecnologia sonora su disco sviluppata dalla Warner Bros. che permetteva di sincronizzare la musica e la voce registrate con le immagini in movimento. Il sistema era ancora imperfetto e richiedeva numerosi dischi di cera e una precisa sincronizzazione tra il proiettore e il fonografo. Per questo motivo, solo alcune scene del film contenevano dialoghi sonori, mentre il resto era accompagnato da didascalie come nei film muti. Il film fu un successo di pubblico e di critica e salvò la Warner Bros. dalla crisi finanziaria in cui si trovava.

AL JOLSON (FILM Album n°1 ) JOSETTI Germany - Al Jolson è stato un cantante, attore e compositore russo naturalizzato statunitense, noto come “Il più grande intrattenitore del mondo”. Nato il 26 maggio 1886 a Seredžius, in Lituania, allora parte dell’Impero Russo, emigrò negli Stati Uniti con la sua famiglia ebraica nel 1894. Iniziò la sua carriera teatrale a New York, formando un trio vocale con i fratelli Harry e Palmer. Si distinse per il suo stile di canto jazz e blues e per la sua abitudine di esibirsi in blackface, una pratica controversa che consisteva nel dipingersi il volto di nero per imitare gli afroamericani. Divenne una star di Broadway negli anni dieci e venti, interpretando musical come La Belle Paree, Sinbad e Big Boy. Nel 1927 fu il protagonista de Il cantante di jazz, il primo film con il sonoro sincronizzato, in cui cantò brani celebri come My Mammy, Toot Toot Tootsie e Blue Skies. Continuò a recitare in altri film musicali negli anni trenta, come The Singing Fool, Hallelujah I’m a Bum e Wonder Bar. Durante la seconda guerra mondiale e la guerra di Corea si dedicò all’intrattenimento delle truppe americane all’estero. La sua vita fu raccontata nei film biografici The Jolson Story (1946) e Jolson Sings Again (1949), in cui fu doppiato da Larry Parks. Morì il 23 ottobre 1950 a San Francisco, all’età di 64 anni123

Messaggio ricevuto. Al Jolson è stato un cantante, attore e compositore russo naturalizzato statunitense, noto come "Il più grande intrattenitore del mondo". Nato il 26 maggio 1886 a Seredžius, in Lituania, allora parte dell'Impero Russo, emigrò negli Stati Uniti con la sua famiglia ebraica nel 1894. Iniziò la sua carriera teatrale a New York, formando un trio vocale con i fratelli Harry e Palmer. Si distinse per il suo stile di canto jazz e blues e per la sua abitudine di esibirsi in blackface, una pratica controversa che consisteva nel dipingersi il volto di nero per imitare gli afroamericani. Divenne una star di Broadway negli anni dieci e venti, interpretando musical come La Belle Paree, Sinbad e Big Boy. Nel 1927 fu il protagonista de Il cantante di jazz, il primo film con il sonoro sincronizzato, in cui cantò brani celebri come My Mammy, Toot Toot Tootsie e Blue Skies. Continuò a recitare in altri film musicali negli anni trenta, come The Singing Fool, Hallelujah I'm a Bum e Wonder Bar. Durante la seconda guerra mondiale e la guerra di Corea si dedicò all'intrattenimento delle truppe americane all'estero. La sua vita fu raccontata nei film biografici The Jolson Story (1946) e Jolson Sings Again (1949), in cui fu doppiato da Larry Parks. Morì il 23 ottobre 1950 a San Francisco, all'età di 64 anni.

WARNER OLAND - Warner Oland (nato Johan Verner Ölund il 3 ottobre 1879 e morto il 6 agosto 1938) è stato un attore svedese-americano. La sua carriera ha incluso il teatro a Broadway e numerosi film. È ricordato soprattutto per aver interpretato diversi personaggi cinesi e sino-americani: il dottor Fu Manchu, Henry Chang in Shanghai Express e, soprattutto, il tenente Charlie Chan della polizia di Honolulu in 16 film.

Oland emigrò negli Stati Uniti con la sua famiglia all’età di 13 anni. Dopo aver studiato recitazione shakespeariana, debuttò nel cinema muto nel 1912. Grazie al suo aspetto vagamente asiatico, fu molto richiesto per ruoli di cattivo e di etnia. Il suo successo arrivò nel 1929, quando fu scelto per il ruolo principale nel film Il misterioso dottor Fu Manchu.

Nel 1931, Oland interpretò per la prima volta Charlie Chan, un detective cinese-americano basato sulla popolare serie di romanzi gialli di Earl Derr Biggers. La sua performance come il sagace ma apparentemente mite investigatore gli valse il plauso della critica e lo rese una star. Oland apparve in un totale di 16 film di Charlie Chan dal 1931 al 1937.

Oland morì di polmonite a Stoccolma nel 1938, mentre era in tournée in Europa. È sepolto nel Southborough Rural Cemetery, nel Massachusetts.

Warner Oland ha avuto il ruolo del cantore Rabinowitz, il padre di Jakie, il protagonista del film The jazz singer. Il film racconta la storia di un giovane ebreo che vuole diventare un cantante di jazz, ma entra in conflitto con le tradizioni della sua famiglia e della sua religione. Oland interpreta un padre severo e orgoglioso, che non accetta le scelte artistiche del figlio e lo punisce per aver cantato in un locale.

(CARD posizione 5 pag. 19 dell'ALBUM 1 "SALEM GOLD-FILM-BILDER")

ABRAHAM LINCOLN 1930 - Abraham Lincoln è un film biografico del 1930 diretto da D. W. Griffith, uno dei pionieri del cinema americano. Il film racconta la vita del sedicesimo presidente degli Stati Uniti, dalla sua nascita alla sua presidenza e al suo assassinio. Il film è interpretato da Walter Huston nel ruolo di Lincoln e da Una Merkel nel ruolo di Ann Rutledge, il suo primo amore.

Il film si divide in due parti: la prima parte copre gli anni della giovinezza e della formazione di Lincoln, come negoziante, taglialegna, avvocato e politico. Vediamo il suo rapporto con Ann Rutledge, la sua morte prematura e il suo matrimonio con Mary Todd. Vediamo anche il suo duello oratorio con Stephen A. Douglas e la sua elezione a presidente nel 1860.

La seconda parte si concentra sulla presidenza di Lincoln durante la guerra civile americana, il suo impegno per preservare l’unità della nazione e per abolire la schiavitù. Vediamo le sue difficoltà a gestire la guerra, le sue decisioni politiche e militari, il suo rapporto con i suoi collaboratori e la sua famiglia. Vediamo anche il suo discorso di Gettysburg, la sua firma della proclamazione di emancipazione e il suo assassinio al Ford’s Theatre per mano di John Wilkes Booth.
Il film ha ricevuto recensioni positive dai critici dell’epoca, che hanno lodato la performance di Huston e la regia di Griffith. Mordaunt Hall del The New York Times lo ha definito “un’opera degna e ispiratrice” e lo ha inserito nella sua lista dei dieci migliori film del 1930. Alcune fonti moderne lo considerano anche un capolavoro del cinema pre-code, che sfidava le convenzioni morali e sociali dell’epoca.
Il film presenta anche alcune curiosità interessanti:
Walter Huston era molto più basso del vero Abraham Lincoln, per cui indossava delle scarpe rialzate di sei pollici durante gran parte del film. Questo è particolarmente evidente nelle inquadrature lunghe.
Henry B. Walthall, che interpreta il ruolo minore di un aiutante di Robert E. Lee, era la star del primo capolavoro di Griffith sulla guerra civile, Nascita di una nazione (1915).
Griffith aveva già girato l’assassinio di Lincoln al Ford’s Theatre in Nascita di una nazione (1915).
James Bradbury Sr. (Generale Winfield Scott), Frank Campeau (Generale Philip Sheridan) e Robert Brower, che interpreta un ruolo non accreditato, sono gli unici attori del film che erano vivi durante la guerra civile americana (1861-1865). Sono nati rispettivamente il 12 ottobre 1857, il 14 dicembre 1864 e il 14 luglio 1850.

UNA MERKEL - Una Merkel era un’attrice statunitense, nata nel 1903 e morta nel 1986. Era famosa per il suo aspetto da bambola, il suo accento del sud e la sua comicità. Ha recitato in molti film degli anni '30 e '40, spesso nel ruolo della migliore amica della protagonista. Alcuni dei suoi film più noti sono Quarantaduesima strada, Destry cavalca ancora e Estate e fumo, per il quale fu candidata all’Oscar come miglior attrice non protagonista. Ha iniziato la sua carriera come controfigura di Lillian Gish in alcuni film muti, tra cui Il vento di Victor Sjöström. Ha lavorato anche a Broadway, vincendo un Tony Award nel 1956 per il musical The Pajama Game.

Una Merkel ha recitato anche nel film Abraham Lincoln del 1930, diretto da D. W. Griffith, uno dei pionieri del cinema americano. Il film racconta la vita del sedicesimo presidente degli Stati Uniti, dalla sua nascita alla sua presidenza e al suo assassinio. Una Merkel interpreta il ruolo di Ann Rutledge, il primo amore di Lincoln, che muore di febbre tifoide prima che possano sposarsi. La sua morte segna profondamente Lincoln, che le promette di diventare un uomo migliore e di dedicare la sua vita al servizio del suo paese. La performance di Una Merkel è delicata e commovente, e mostra la sua capacità di passare dal comico al drammatico.

Una Merkel era una donna di talento e di spirito, che ha lasciato un segno nel cinema americano.

A FAREWELL TO ARMS (1932) - Cari amici, oggi vi propongo un film che è un capolavoro del cinema classico americano, tratto da un celebre romanzo di Ernest Hemingway. Si tratta di A Farewell to Arms, ovvero Addio alle armi, diretto nel 1932 da Frank Borzage. Il film narra la storia d’amore tra un tenente americano e un’infermiera inglese durante la Prima guerra mondiale, sullo sfondo dei drammi e delle sofferenze causati dal conflitto. I protagonisti sono interpretati da due grandi attori: Helen Hayes e Gary Cooper, che con la sua bellezza e il suo carisma ha conquistato il pubblico di tutto il mondo. Il film è stato premiato con due Oscar per la fotografia e il sonoro, ed è considerato un’opera d’arte per la sua intensità emotiva e la sua maestria tecnica. Vi invito a guardare questo film, che vi farà vivere una delle più belle e commoventi storie d’amore della storia del cinema.

Il film si basa sul romanzo omonimo di Ernest Hemingway, pubblicato nel 1929 e ispirato alle sue esperienze come volontario nella Croce Rossa durante la Prima guerra mondiale. Il romanzo è stato adattato per il teatro da Laurence Stallings nel 1930 e poi per il cinema da Benjamin Glazer e Oliver H.P. Garrett nel 1932. Il film ha avuto due remake: uno nel 1957 con Rock Hudson e Jennifer Jones, e uno nel 1966 con Chris Jones e Suzanne Pleshette.

Il film del 1932 è considerato il migliore tra le tre versioni cinematografiche, grazie alla regia di Frank Borzage, uno dei maestri del melodramma romantico. Borzage ha saputo creare un’atmosfera suggestiva e coinvolgente, usando la luce, il colore e il movimento della macchina da presa per esprimere i sentimenti dei personaggi. Il film è stato girato in parte in Italia, in luoghi come il lago Maggiore, il lago di Como e le Alpi.

Il film ha avuto un grande successo di pubblico e di critica, ricevendo quattro candidature agli Oscar nel 1933: miglior film, migliore fotografia, migliore scenografia e miglior sonoro. Ha vinto i premi per la fotografia e il sonoro, battendo film come Grand Hotel e Shanghai Express. Il film è stato inserito nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti nel 1960 come film “culturalmente, storicamente o esteticamente significativo”.

I due protagonisti del film sono Helen Hayes e Gary Cooper, due star di Hollywood che hanno dato vita a una coppia memorabile. Helen Hayes era una famosa attrice teatrale, soprannominata la “Prima dama del teatro americano”. Nel film interpreta Catherine Barkley, un’infermiera inglese che si innamora del tenente Frederic Henry, un americano arruolato nell’esercito italiano. Hayes ha dimostrato la sua bravura recitativa in questo ruolo drammatico e sensibile, che le ha fatto guadagnare il soprannome di “Prima dama del cinema americano”.

Gary Cooper era uno degli attori più popolari e ammirati del cinema americano, noto per il suo fascino naturale e la sua personalità schietta. Nel film interpreta Frederic Henry, un eroe romantico che vive una passione travolgente con Catherine Barkley. Cooper ha dato prova della sua versatilità in questo ruolo emotivo e intenso, che lo ha consacrato come uno dei maggiori divi del cinema.

Un altro attore degno di nota nel film è Adolphe Menjou, che interpreta il maggiore Alessandro Rinaldi, un medico militare italiano e amico di Frederic Henry. Menjou era un attore statunitense di origine francese, noto per il suo stile elegante e i suoi grandi baffi. Il personaggio di Rinaldi è un donnaiolo e un cinico, che cerca di consolare Henry dopo la sua ferita e lo incoraggia a corteggiare Catherine Barkley. Tuttavia, Rinaldi si ammala di sifilide e viene trasferito in un ospedale lontano dal fronte. Il suo destino rimane incerto alla fine del romanzo e del film. Menjou fu candidato all’Oscar per il suo ruolo nel film The Front Page nel 1931, ma non vinse nessun premio per la sua partecipazione a A Farewell to Arms.

GARY COOPER - oggi parliamo di uno dei più grandi attori della storia del cinema: Gary Cooper. Nato nel Montana nel 1901, Cooper iniziò la sua carriera come comparsa e controfigura nei film western, grazie alla sua abilità nel cavalcare. Il suo primo ruolo importante fu in Sabbie ardenti (1926), un film che lo fece notare dal pubblico e dalla critica. Da allora, Cooper divenne una delle star più popolari e ammirate di Hollywood, interpretando oltre cento film in vari generi, dal western al melodramma, dalla commedia al bellico.

Cooper si distinse per il suo stile di recitazione naturale e sobrio, che esprimeva al meglio i suoi personaggi di eroi solitari, onesti e coraggiosi, ma anche vulnerabili e romantici. Cooper incarnò l’ideale dell’uomo americano, capace di affrontare le sfide della vita con determinazione e senso del dovere. Alcuni dei suoi ruoli più famosi sono il cowboy del Virginiano (1929), il soldato del sergente York (1942), il giornalista di Arriva John Doe (1941), il professore di L’idolo delle folle (1942), il guerrigliero di Per chi suona la campana (1943) e lo sceriffo di Mezzogiorno di fuoco (1952).

Cooper lavorò con alcuni dei più grandi registi del suo tempo, come Frank Capra, Ernst Lubitsch, Howard Hawks, William Wyler, Alfred Hitchcock e Billy Wilder. Cooper ebbe anche l’occasione di recitare accanto a bellissime attrici, come Marlene Dietrich, Claudette Colbert, Ingrid Bergman, Audrey Hepburn e Grace Kelly. La sua vita privata fu segnata da numerosi flirt e da un matrimonio travagliato con l’ereditiera Veronica Balfe.

Cooper vinse due Oscar come miglior attore protagonista per Il sergente York e Mezzogiorno di fuoco, e ricevette un Oscar alla carriera poco prima della sua morte, avvenuta nel 1961 per un cancro alla prostata. Il suo ultimo film fu Il filo del rasoio (1961), uscito postumo. Cooper è considerato uno dei più grandi attori di tutti i tempi, e l’American Film Institute lo ha inserito all’11º posto tra le più grandi star della storia del cinema. Vi invito a scoprire o riscoprire i suoi film, che sono dei capolavori del cinema americano.

HELEN HAYES - Helen Hayes è stata una delle più grandi attrici della storia del teatro americano, capace di esprimere con la sua voce e il suo corpo le emozioni più profonde e variegate. Ha recitato in oltre 80 opere teatrali, 40 film e 50 programmi televisivi, dimostrando la sua versatilità e il suo talento in ogni genere. Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui quattro dei più prestigiosi del mondo dello spettacolo: l’Emmy, il Grammy, l’Oscar e il Tony. Ha anche dedicato parte della sua vita a opere di beneficenza e a sostenere le cause sociali che le stavano a cuore. Helen Hayes è stata una donna straordinaria, una fonte di ispirazione per molti artisti e una vera icona della cultura americana.

OF HUMAN BONDAGE - Se ami i film drammatici e classici, non puoi perderti Of Human Bondage, il film del 1934 che ha fatto diventare una star Bette Davis. Il film è basato sul romanzo omonimo del 1915 di W. Somerset Maugham, uno dei più famosi scrittori inglesi del XX secolo. Il film racconta la storia di Philip Carey, un giovane artista zoppo che si innamora di Mildred Rogers, una cameriera che lo tratta con indifferenza e disprezzo. Philip diventa ossessionato da Mildred e rovina la sua vita per lei, rifiutando altre opportunità di amore e di lavoro. Mildred finisce per diventare una prostituta e una tossicodipendente, e muore in un ospedale in miseria. Philip riesce a liberarsi dalla sua schiavitù emotiva e a trovare la felicità con una sua amica, Sally Athelny.

Of Human Bondage è un film che ti farà provare forti emozioni e ti farà riflettere sulle scelte che facciamo nella vita. Il film è stato candidato all’Oscar per la migliore attrice per Bette Davis, che ha dato una performance potente e memorabile come la crudele e manipolatrice Mildred. Il film è stato elogiato dalla critica per la sua fedeltà e sensibilità nell’adattare il romanzo di Maugham, che ha saputo trasmettere le emozioni e le sofferenze dei protagonisti. Il film ha avuto anche un buon successo al botteghino, nonostante la sua tematica cupa e drammatica.

Of Human Bondage è un film che merita una visione per il suo valore storico e artistico. Il film è entrato nel pubblico dominio negli Stati Uniti nel 1962, perché i detentori dei diritti non hanno rinnovato la registrazione del copyright nel 28° anno dopo la pubblicazione.

BETTE DAVIS - Bette Davis è stata una delle più grandi star della storia del cinema hollywoodiano, nota per i suoi ruoli di donne forti, ambiziose e spregiudicate. Bette Davis è nata a Lowell, nel Massachusetts, il 5 aprile 1908, con il nome di Ruth Elizabeth Davis. Fin da giovane si appassionò al teatro e debuttò a Broadway nel 1929. Nel 1930 si trasferì a Hollywood, dove iniziò la sua carriera cinematografica con la Universal. Il suo primo grande successo fu Of Human Bondage (1934), in cui interpretò una cameriera crudele e manipolatrice. Da allora, Bette Davis si impose come una delle attrici più richieste e apprezzate del cinema americano, vincendo due Oscar come miglior attrice: nel 1936 per Paura d’amare (1935) e nel 1939 per Figlia del vento (1938). Altri film celebri da lei interpretati sono: Il conte di Essex (1939), L’amica (1943), Peccato (1949), Eva contro Eva (1950), La diva (1952) e Che fine ha fatto Baby Jane? (1962).

Bette Davis fu anche una donna di forte personalità e carattere, che non esitò a sfidare i produttori e a rifiutare i ruoli che non le piacevano. Fu la prima donna a essere eletta presidente dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, ma si dimise dopo pochi mesi per contrasti con lo Studio. Fu anche una fervente patriota e sostenitrice della causa antinazista, e usò il suo talento e la sua fama per contribuire alla propaganda britannica durante la seconda guerra mondiale. Bette Davis morì il 6 ottobre 1989 a Neuilly-sur-Seine, in Francia, per un cancro al seno. Nel 1999 l’American Film Institute la inserì al secondo posto nella classifica delle più grandi star della storia del cinema.

FRANCES DEE - Frances Dee è stata un’attrice statunitense, nota per i suoi ruoli di donna dolce e sensibile in film drammatici e romantici. Frances Dee è nata a Los Angeles nel 1909, da una famiglia di origine inglese. Si interessò al teatro fin da giovane e debuttò a Broadway nel 1929. Nel 1930 iniziò la sua carriera cinematografica con il film Montecarlo, accanto a Jack Buchanan. La sua grande occasione le venne data da Maurice Chevalier, che la scelse come sua partner in Playboy of Paris, nel 1930. Da allora, Frances Dee recitò in numerosi film di successo, tra cui Piccole donne (1933), in cui interpretò la parte di Meg, accanto a Katharine Hepburn, Schiavo d’amore (1934), in cui interpretò la parte di Sally Athelny, accanto a Leslie Howard e Bette Davis, e La foresta pietrificata (1936), in cui interpretò la parte di Gabrielle Maple, accanto a Leslie Howard e Humphrey Bogart.

Frances Dee si sposò nel 1933 con l’attore Joel McCrea, con cui recitò in alcuni film, tra cui Quattro volti ad ovest (1948). Il matrimonio durò fino alla morte di McCrea, nel 1990. La coppia ebbe tre figli, tra cui Jody McCrea, che divenne anch’egli attore. Frances Dee si ritirò dal cinema nel 1954, dopo aver interpretato il film Zingaro. Morì nel 2004, all’età di 94 anni.

Nel film Of Human Bondage, Frances Dee interpretò il ruolo di Sally Athelny, una giovane donna che aiuta il protagonista Philip Carey (Leslie Howard) a liberarsi dalla sua ossessione per Mildred Rogers (Bette Davis), una cameriera crudele e manipolatrice che lo tratta con disprezzo. Sally è la figlia di Thorpe Athelny (Reginald Owen), un paziente dell’ospedale dove Philip lavora come medico. Sally si innamora di Philip e lo incoraggia a riprendere gli studi e a dimenticare Mildred. Sally rappresenta il personaggio positivo e salvifico del film, in contrasto con Mildred, che è il personaggio negativo e distruttivo. Frances Dee diede una performance delicata e convincente nel ruolo di Sally, dimostrando la sua capacità di interpretare personaggi dolci e sensibili.

THE MOST DANGEROUS GAME - The Most Dangerous Game è un film horror statunitense del 1932, diretto da Ernest B. Schoedsack e Irving Pichel, con Joel McCrea, Fay Wray e Leslie Banks. Il film è un adattamento del racconto breve omonimo del 1924 di Richard Connell. È la prima versione cinematografica della storia. In Italia, il film è stato distribuito con il titolo Pericolosa partita.

La trama riguarda un cacciatore di grossa selvaggina che si ritrova naufrago su un’isola remota dove vive un conte russo, anch’egli appassionato di caccia, che ha sviluppato un gusto per una nuova preda… gli esseri umani. Il conte Zaroff offre ospitalità al cacciatore Robert Rainsford e ad altri due sopravvissuti a un precedente naufragio, Eve e Martin Trowbridge, ma nasconde le sue intenzioni di cacciarli per sport. Rainsford scopre la verità quando vede le teste umane esposte come trofei nella stanza del conte e rifiuta la sua offerta di unirsi a lui nella caccia agli uomini. Zaroff gli dà una lama da caccia e alcune provviste e lo lascia libero di vagare sull’isola fino a mezzanotte, quando inizierà la sua caccia. Rainsford dovrà usare tutta la sua abilità e astuzia per sopravvivere e salvare Eve.

Il film è considerato un classico del genere horror e ha avuto vari rifacimenti. Il film è stato girato in contemporanea con King Kong, utilizzando gli stessi set, attori e produttori. Il film ha avuto un budget di 219.869 dollari e ha incassato 443.000 dollari. Il film è entrato nel pubblico dominio negli Stati Uniti nel 1960. Il film ha ricevuto recensioni positive da parte della critica e del pubblico, che hanno apprezzato la tensione, l’atmosfera, le interpretazioni e la colonna sonora di Max Steiner.

JOEL McCREA - Joel McCrea è stato un attore statunitense, famoso per i suoi ruoli in diversi generi cinematografici, tra cui la commedia, il dramma, il romance, il thriller, l’avventura e il western, per il quale è diventato più noto. Ha recitato in oltre cento film, di cui ottanta da protagonista, tra cui il film di spionaggio di Alfred Hitchcock Foreign Correspondent (1940), i classici della commedia di Preston Sturges Sullivan’s Travels (1941) e The Palm Beach Story (1942), il film romantico Bird of Paradise (1932), il classico dell’avventura The Most Dangerous Game (1932), la commedia scanzonata di Gregory La Cava Bed of Roses (1933), la commedia romantica di George Stevens The More the Merrier (1943), i film di William Wyler These Three, Come and Get It (entrambi del 1936) e Dead End (1937), il film di Howard Hawks Barbary Coast (1935) e numerosi film western, tra cui Wichita (1955) nel ruolo di Wyatt Earp e Ride the High Country (1962) di Sam Peckinpah, al fianco di Randolph Scott. Ha recitato in tre film candidati all’Oscar come miglior film: Dead End (1937), Foreign Correspondent (1940) e The More the Merrier (1943)

Joel McCrea è nato a South Pasadena, in California, figlio di Thomas McCrea, un dirigente della L.A. Gas & Electric Company, e Louise Whipple. Fin da bambino si interessò ai film che venivano girati intorno a lui e ebbe l’opportunità di assistere alle riprese di Intolerance di D. W. Griffith e di fare da comparsa in un serial con Ruth Roland. Si diplomò alla Hollywood High School e poi si laureò al Pomona College, dove studiò recitazione e oratoria e si esibì regolarmente al Pasadena Playhouse, dove anche altre future star come Randolph Scott, Robert Young e Victor Mature fecero le loro prime esperienze. Lavorò come stuntman e come extra dal 1927 al 1928, quando firmò un contratto con la MGM. Fu scelto tra la folla per interpretare un ruolo importante in The Jazz Age (1929) e ottenne il suo primo ruolo da protagonista nello stesso anno in The Silver Horde. Lasciò la MGM nel 1930 e firmò con la RKO Radio Pictures, per la quale interpretò il suo ruolo più celebre, quello di Ann Darrow, l’attrice bionda che viene rapita dal gigantesco gorilla King Kong. Il film fu un grande successo e consacrò Joel McCrea come una delle stelle del cinema dell’epoca. Continuò a lavorare in film di avventura, dramma, commedia e horror, tra cui The Most Dangerous Game (1932), Viva Villa! (1934) e The Maltese Falcon (1941)

Nel 1942 si sposò con l’attrice Frances Dee, con la quale rimase fino alla morte e ebbe tre figli, tra cui Jody McCrea, che divenne anch’egli attore. Dal 1946 al 1976 si dedicò esclusivamente ai film western, genere che amava particolarmente. Si ritirò dalle scene dopo aver girato il classico del western Ride the High Country (1962), nel quale recitò insieme al suo amico Randolph Scott. Morì nel 1990 per cause naturali a Woodland Hills, Los Angeles, all’età di 84 anni. Le sue ceneri furono sparse nell’Oceano Pacifico

Joel McCrea è stato uno degli attori più versatili e popolari del cinema americano, capace di passare con disinvoltura da un genere all’altro e di incarnare personaggi credibili e simpatici. La sua presenza scenica e la sua abilità nel cavalcare lo resero uno dei grandi protagonisti dei film western. Fu apprezzato da registi come Alfred Hitchcock, Preston Sturges e Sam Peckinpah, che lo consideravano uno dei loro attori preferiti. Fu anche un uomo semplice e modesto, che amava la vita di ranch e la sua famiglia. Fu insignito di numerosi premi e riconoscimenti per la sua carriera e per il suo contributo al cinema

OLIVIA DE HAVILLAND - Olivia de Havilland è stata un’attrice britannica naturalizzata statunitense, che ha recitato in molti film del cinema classico hollywoodiano, vincendo due Oscar e due Golden Globe. È stata anche una delle ultime sopravvissute della cosiddetta età d’oro di Hollywood, morendo nel 2020 all’età di 104 anni.

Olivia de Havilland nacque a Tokyo nel 1916, da genitori inglesi. Si trasferì in California con la madre e la sorella minore, Joan Fontaine, anch’essa futura attrice. Iniziò la sua carriera teatrale e cinematografica negli anni trenta, diventando famosa per i suoi ruoli di eroina romantica e avventurosa, spesso accanto a Errol Flynn, con il quale formò una delle coppie più popolari dello schermo. Tra i suoi film più celebri di questo periodo, si ricordano Capitan Blood (1935), La carica dei seicento (1936), La leggenda di Robin Hood (1938) e Via col vento (1939), per il quale ricevette la sua prima candidatura all’Oscar come miglior attrice non protagonista.

Negli anni quaranta, Olivia de Havilland si emancipò dai ruoli di ingenua e si affermò come una delle attrici drammatiche più apprezzate del cinema americano. Vinse due Oscar come miglior attrice protagonista per Ogni sua donna (1946) e L’ereditiera (1949), e fu candidata altre due volte per La storia del dottor Wassell (1944) e Il serpente di fuoco (1948), in cui interpretò una donna affetta da disturbi mentali. Lavorò anche in Europa, dove girò film come La figlia di Nettuno (1952) e La principessa di Mendoza (1953).

Negli anni cinquanta e sessanta, Olivia de Havilland si dedicò anche al teatro e alla televisione, ottenendo successo e riconoscimenti. Tra le sue opere più note, ci sono Romeo e Giulietta (1951), Candida (1952), Anastasia (1986), per la quale vinse il Golden Globe come miglior attrice non protagonista in una serie televisiva, e Radici: le nuove generazioni (1979), per la quale fu candidata all’Emmy Award. Il suo ultimo film fu L’ultima follia di Mel Brooks (1976), una parodia del cinema muto.

Olivia de Havilland fu anche una pioniera nella difesa dei diritti degli attori, vincendo una storica battaglia legale contro la Warner Bros, che le consentì di liberarsi dal contratto che la legava alla casa di produzione e di scegliere i suoi ruoli con maggiore libertà. Fu anche una delle prime donne a presiedere la giuria del Festival di Cannes, nel 1965. Fu insignita di numerosi onori, tra cui la Legion d’onore francese, il National Medal of Arts americano e il titolo di Dama dell’Ordine dell’Impero Britannico.

Olivia de Havilland visse a Parigi dal 1953, dove morì nel 2020, all’età di 104 anni. Fu una delle ultime sopravvissute della cosiddetta età d’oro di Hollywood, insieme a Kirk Douglas, morto nello stesso anno a 103 anni. Fu anche la sorella maggiore di Joan Fontaine, con la quale ebbe una famosa rivalità professionale e personale, che durò per tutta la vita. Olivia de Havilland e Joan Fontaine sono le uniche due sorelle nella storia del cinema ad aver vinto entrambe un Oscar come miglior attrice protagonista.

STEAMBOAT BILL, Jr. - Vi presentiamo oggi Steamboat Bill Jr., un film muto del 1928 diretto da Charles Reisner e Buster Keaton, con la partecipazione dello stesso Keaton nel ruolo principale. Il film è una commedia d’azione, ricca di gag e di scene spettacolari, tra cui la famosa sequenza del ciclone, in cui Keaton compie numerose acrobazie mentre la città viene distrutta intorno a lui. Il film è considerato uno dei capolavori di Keaton e del cinema muto, ed è stato scelto per la conservazione nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso negli Stati Uniti.

Il film racconta la storia di William Jr., un giovane studente che torna a casa dal college per incontrare suo padre, William Sr., detto Steamboat Bill, il proprietario di un vecchio battello fluviale. Il padre è deluso dal figlio, che lo trova troppo debole e goffo, e cerca di renderlo più virile e abile. William Jr. si innamora di Kitty, la figlia del rivale di suo padre, il ricco John King, che possiede un moderno battello. I due padri si oppongono alla loro relazione e si scontrano tra loro. Quando un violento ciclone colpisce la città, William dimostra il suo coraggio e la sua intelligenza, salvando il padre, la ragazza e il battello da vari pericoli.

Il film è stato girato in parte sul fiume Sacramento, in California, e in parte negli studi di Keaton. Il film ha avuto una produzione travagliata, a causa di problemi legali, personali e creativi di Keaton, che ha dovuto cambiare il copione, il cast e il titolo originari. Il film ha avuto anche una distribuzione difficile, a causa della censura e della concorrenza del cinema sonoro. Nonostante ciò, il film ha avuto un buon successo di pubblico e di critica, ed è stato rivalutato nel tempo come un’opera di grande valore artistico e tecnico.

Il film contiene alcune delle scene più famose e divertenti della filmografia di Keaton, come quella in cui William Jr. prova vari cappelli per accontentare suo padre, quella in cui cerca di far evadere suo padre dalla prigione, e quella in cui William Jr. sfugge alla caduta della facciata di una casa, passando attraverso una finestra. Il film è anche ricco di curiosità e aneddoti, come il fatto che la pellicola è ispirata a una canzone popolare del 1910, che il film è stato girato in contemporanea con un altro film di Keaton, Il cameraman, e che questa pellicola ha influenzato altri registi e attori, come Jackie Chan e Woody Allen.

THE FLYING DEUCES (1939) - The Flying Deuces è un film comico su due pescivendoli americani che si arruolano nella Legione Straniera francese a Parigi per dimenticare un amore fallito. Finiscono in Marocco, dove affrontano molti guai e avventure, coinvolgendo una lavanderia in fiamme, una fuga di prigionia, un cammello e un aereo. Il film finisce con un colpo di scena: si reincarnano in un cavallo e un asino.

Il film è il remake di un cortometraggio del 1931, chiamato Beau Hunks, in cui Laurel e Hardy si arruolano per lo stesso motivo. Il film fu il primo del duo ad essere prodotto da Boris Morros e RKO Radio Pictures, invece che da Hal Roach e MGM. Il film fu girato in parte a Los Angeles e in parte in Marocco, dove furono usati come comparse dei veri legionari francesi. Il film fu uno dei primi ad usare le tecniche di colorazione, retroproiezione e pittura a matita, per creare effetti realistici. Il film contiene scene famose come il canto di Shine On, Harvest Moon, il travestimento da arabi e la reincarnazione in animali. Il film fu ispirato da episodi reali della Legione Straniera e suggerito da Harry Langdon, uno degli sceneggiatori e un famoso comico muto.

JEAN PARKER - Jean Parker (nata Lois May Green nel 1915) era un’attrice americana di cinema e teatro. Fu scoperta da Louis B. Mayer, il capo della MGM, dopo aver vinto un concorso di poster per le Olimpiadi del 1932. Recitò in diversi film importanti, tra cui Piccole donne (1933), in cui interpretò Elizabeth March, la sorella minore di Jo (Katharine Hepburn).

Nel film The Flying Deuces (1939), Parker interpretò Georgette, la figlia di un albergatore di Parigi, di cui si innamora Ollie (Oliver Hardy).

(Prima card della pagina n.16 dell'ALBUM "BUNTE FILM BILDER ALBUM 7"del 1935)

THE JAZZ SINGER 1927 - Ron Hutchinson e Vince Giordano sono due esperti di cinema e musica, che hanno realizzato un commento audio per il film, disponibile sul DVD della Warner Home Video. Nel commento, i due forniscono informazioni storiche, aneddoti e curiosità sul film, le sue canzoni, i suoi attori e il suo impatto culturale. Il commento è molto apprezzato dai fan del film e del genere musical.

AL JOLSON - Card pag.8 dell'ALBUM "VOM WERDEN DEUTSCHER FILMUNST DER TONFILM (1935) Germany

A PLANTATION ACT (1926) - Si tratta di un cortometraggio sonoro del 1926, il primo film in cui ha recitato Jolson. Al, con il volto dipinto di nero, canta tre delle sue canzoni di successo: “When the Red, Red Robin (Comes Bob, Bob, Bobbin’ Along)“, "April Showers” e infine “Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody”.

Il film lo mostra come se fosse in una performance dal vivo, con tre richiami al sipario alla fine. Il film è stato presentato in anteprima il 7 ottobre 1926 al Colony Theatre di New York, dove ha concluso un programma di cortometraggi che accompagnavano il secondo film Vitaphone a lungometraggio della Warner Brothers, “The Better 'Ole”.

Il corto è stato a lungo ritenuto un film perduto, e la sua indisponibilità ha alimentato l’erronea convinzione che il primo film sonoro di Jolson fosse il famoso film epocale “The Jazz Singer”, che è uscito quasi esattamente un anno dopo. Una copia muta di “A Plantation Act” è stata infine trovata nella Library of Congress, etichettata erroneamente come un’anteprima di “The Jazz Singer”. È stata anche ritrovata una copia del disco sonoro corrispondente, ma era stato rotto in quattro pezzi e incollato di nuovo così male che non si poteva riprodurre. Dopo un’attenta operazione, i tecnici del restauro sono riusciti a fare una copia utilizzabile dal disco e a rimuovere digitalmente i rumori e i clic derivanti dal danno.

Il film restaurato è stato incluso in un LaserDisc pubblicato negli anni '90 e come contenuto extra nel DVD a 3 dischi del 2007 di “The Jazz Singer”.

LIFE WITH FATHER - Life with Father è una commedia familiare basata sull’omonimo libro di Clarence Day, che racconta le vicende di una famiglia borghese di New York alla fine del XIX secolo. Il padre, interpretato da William Powell, è un broker di Wall Street autoritario e eccentrico, che cerca di imporre il suo ordine nella casa, ma si scontra spesso con la moglie Vinnie, interpretata da Irene Dunne, che è più dolce e religiosa. I quattro figli maschi della coppia sono alle prese con le prime esperienze amorose, i guai scolastici e le vendite di medicine brevettate. Il conflitto principale del film nasce quando Vinnie scopre che il marito non è mai stato battezzato e insiste perché lo faccia, temendo per la sua anima. Il padre rifiuta, ritenendo la cosa ridicola e imbarazzante.

Il film è diretto da Michael Curtiz, noto per Casablanca e Il mistero del falco, e vanta un cast di ottimi attori, tra cui Elizabeth Taylor nel ruolo di Mary, la fidanzata del figlio maggiore Clarence Jr. La sceneggiatura è firmata da Donald Ogden Stewart, che aveva già lavorato con Powell e Dunne in La via dell’impossibile. Il film è una divertente e affettuosa rappresentazione della vita familiare dell’epoca, con dialoghi brillanti e situazioni esilaranti. Il film fu candidato a quattro Oscar, tra cui quello per il miglior film, ma non ne vinse nessuno. Fu comunque un grande successo di pubblico e di critica, e rimane uno dei classici della commedia americana.

IRENE DUNNE - Irene Dunne è stata un’attrice e cantante statunitense, famosa per i suoi ruoli comici e romantici. Ha recitato in 42 film e ha ricevuto cinque nomination all’Oscar come miglior attrice. Tra i suoi film più noti ci sono L’orribile verità, Le mie due mogli, Love Affair e Life with Father (1947).

Life with Father è un film commedia in Technicolor, diretto da Michael Curtiz e tratto dall’autobiografia e dal successo teatrale omonimi di Clarence Day. Dunne interpreta Vinnie Day, la moglie di Clarence Day Sr., un burbero e autoritario capofamiglia di una numerosa e vivace famiglia di New York alla fine dell’Ottocento. Dunne dimostra la sua bravura comica e il suo affiatamento con William Powell, con cui aveva già recitato in altri film.

Dunne è nata nel 1898 a Louisville, nel Kentucky, da una famiglia di origini irlandesi. Ha studiato musica e canto, e ha debuttato a Broadway nel 1922. Ha iniziato la sua carriera a Hollywood nel 1930, interpretando ruoli drammatici e musicali. Ha dimostrato la sua versatilità recitando in vari generi, dalla commedia sofisticata al melodramma, dalla commedia familiare al western. Ha lavorato con registi come Leo McCarey, George Stevens, John Ford e John Sturges.

Dunne si è sposata una sola volta, con il dentista Francis Griffin, dal 1928 fino alla morte di lui nel 1965. Hanno adottato una figlia, Mary Frances. Dunne si è ritirata dal cinema nel 1952, ma ha continuato a lavorare in televisione e radio. È stata anche una fervente attivista repubblicana e una delegata speciale alle Nazioni Unite. È morta nel 1990, all’età di 91 anni.

ZASU PITTS - ZaSu Pitts è stata un’attrice statunitense, nota per la sua partecipazione in diverse pellicole drammatiche durante il periodo del muto, anche se seppe adeguarsi sapientemente al sonoro specializzandosi nel genere brillante. Tra i suoi film più famosi ci sono Rapacità di Erich von Stroheim, in cui interpretò la moglie tormentata di un avido dentista, e Life with Father (1947) dove Pitts interpreta Cora Cartwright, la cugina di Vinnie Day, la moglie di Clarence Day Sr., un burbero e autoritario capofamiglia di una numerosa e vivace famiglia di New York alla fine dell’Ottocento. Pitts offre una divertente performance come una donna eccentrica e invadente, che cerca di combinare il matrimonio tra il figlio maggiore dei Day, Clarence Jr., e la figlia di un reverendo.

Pitts è nata a Parsons, nel Kansas, nel 1894, da una famiglia di origini inglesi. Ha studiato recitazione a Santa Cruz, in California, e ha debuttato a Hollywood nel 1917, grazie alla sceneggiatrice Frances Marion, che la scritturò per il film A Little Princess, con Mary Pickford. Ha recitato in film sentimentali e d’avventura, e ha avuto una voce caratteristica e stridula che le ha permesso di adattarsi al cinema sonoro.

Pitts si è sposata due volte: con l’attore Tom Gallery, dal 1920 al 1933, con cui ha avuto due figli adottivi, e con l’agente immobiliare John E. Woodall, dal 1933 fino alla morte di lui nel 1962. Ha avuto anche una lunga amicizia con l’attrice Thelma Todd, con cui ha formato una coppia comica in numerosi cortometraggi. Pitts è morta a Los Angeles nel 1963, all’età di 69 anni.

WILLIAM POWELL - TURF CIGARETTES - FAMOUS FILM STARS - N. 17 - Questa carta raffigura il celebre attore William Powell nel ruolo di Clarence Day, il padre di famiglia protagonista del film Life with Father, una commedia del 1947 basata sull’omonimo romanzo autobiografico di Clarence Day Jr. Il film racconta le vicende quotidiane di una famiglia borghese di New York alla fine del XIX secolo, con il padre autoritario e burbero, la madre dolce e paziente, e i quattro figli scapestrati. Il film fu un grande successo di pubblico e di critica, e ottenne quattro nomination agli Oscar, tra cui quella per il miglior attore protagonista a William Powell.
La carta ritrae il viso sorridente di Powell su un corpo minuto, disegnato in stile caricaturale da un artista sconosciuto.

ANITA LOUISE - Anita Louise, nata Anita Louise Fremault, è stata una famosa attrice bambina e adolescente, che ha debuttato a Broadway a sei anni e al cinema a nove. Tra i suoi film più noti ci sono Sogno di una notte di mezza estate (1935), La vita del dottor Pasteur (1936) e Maria Antonietta (1938). Nel 1939 ha interpretato il ruolo di Rose, la sorellastra cattiva di Shirley Temple, nel film The Little Princess, tratto dal romanzo di Frances Hodgson Burnett. Negli anni quaranta la sua carriera cinematografica è declinata e si è dedicata alla televisione, dove ha avuto successo con la serie Frida, la storia dell’amicizia di un ragazzo con il suo cavallo. Si è sposata due volte, prima con il produttore Buddy Adler e poi con Henry Berger, ed è morta nel 1970 all’età di 55 anni

HEDY LAMARR AND CHARLES BOYER in "ALGIERS" - CARD n. 95 FILM FAVOURITES stampata da A. AND M. WIX nel 1939. -

Hedy Lamarr e Charles Boyer hanno recitato insieme nel film “Algiers” del 1938, che ha segnato il debutto di Lamarr a Hollywood e ha contribuito a consolidare la sua fama internazionale. La sua bellezza straordinaria ha catturato l’attenzione del pubblico e ha lasciato un’impronta indelebile nel cinema. Boyer, d’altra parte, ha dato vita al personaggio di Pepe le Moko, un ruolo così memorabile che ha ispirato il personaggio di Pepé Le Pew dei cartoni animati di Warner Bros. Il film “Algiers” ha avuto un’influenza significativa sulla cultura popolare e ha ispirato altri capolavori cinematografici, incluso “Casablanca”. Inoltre, “Algiers” è diventato parte del patrimonio pubblico negli Stati Uniti nel 1966, permettendo così una più ampia diffusione e accessibilità. Questi elementi sottolineano l’importanza storica e culturale del film e il contributo di Lamarr e Boyer al mondo del cinema.

$BLACKFACE - Cards Nr.21 Godfrey Phillips Cigarettes PERSONALITIES OF TO-DAY 1932 - (collezione personale) - Il blackface nel contesto storico del teatro e dello spettacolo aveva significati e implicazioni diverse rispetto a come viene percepito oggi. Durante il XIX secolo, il blackface era uno stile di trucco teatrale diffuso che consisteva nel truccarsi in modo marcatamente non realistico per assumere le sembianze stilizzate e stereotipate di una persona di colore. Questa pratica era parte integrante dei Minstrel show, spettacoli itineranti molto popolari negli Stati Uniti, e successivamente anche in Europa. Gli attori bianchi, per recitare in blackface, usavano annerirsi la pelle con sughero bruciato e successivamente cerone nero o lucido per scarpe, esagerando con il trucco le dimensioni delle labbra e portando spesso parrucche di lana, guanti, frac, oppure abiti da straccioni per completare la trasformazione. Questi spettacoli erano intesi come un’esagerazione comica e non come una rappresentazione fedele o rispettosa delle persone di colore. Tuttavia, con il passare del tempo e l’evoluzione della società, la consapevolezza del razzismo e delle sue manifestazioni ha portato a una riconsiderazione critica del blackface. Il movimento per i diritti civili degli afroamericani degli anni '60, guidato da figure come Martin Luther King, ha denunciato i preconcetti razzisti e denigratori legati al blackface, portando alla sua graduale estinzione negli Stati Uniti. Oggi, il blackface è universalmente riconosciuto come offensivo e razzista, e la sua pratica è condannata e bandita da tutte le rappresentazioni teatrali e cinematografiche. La comprensione moderna del blackface è che esso perpetua stereotipi razziali nocivi e si basa su una storia di umiliazione e sfruttamento delle persone nere.$